Napolitano 84: Del Indie a ese gran Blockbuster llamado Star Wars.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En los primeros meses del 2011, el joven y hasta ese momento desconocido cineasta Gareth Edwards vivía una época de ensueño. Con su primer largometraje como director, Edwards ya era comparado con figuras como James Cameron y Neill Blompkamp, además de recibir múltiples halagos y cosechar la nominación a Mejor Debut por un Director Británico en la entrega 64 de los BAFTA. Sin embargo, el reconocimiento que Monsters: Zona Infectada (Monsters, 2011) le generaría a Edwards no sólo lo llevaría a la ceremonia más importante del cine británico, de hecho gracias a aquel pequeño filme independiente el realizador se enfrentaría a un reptil gigante y a uno de sus más grandes sueños.

Graduado en 1996 de la Universidad de Artes Creativas en Farham, Edwards ingresó al mundo del entretenimiento discretamente trabajando como un ingeniero en efectos visuales para programas y documentales de la BBC. Después de debutar como director en un pequeño filme para televisión, el joven realizador inglés se sentía listo para llevar a la pantalla grande una idea que rondaba en su cabeza desde hace mucho tiempo y un desafío de 48 hrs parecía ser la oportunidad perfecta para darse a conocer. 

Era el año 2008 y la sexta edición del London International Festival of Science Fiction and Fantastic Film albergaba por primera ocasión el 48 Hour Film Challenge, donde los equipos participantes tenían dos días para producir un cortometraje de 3 a 5 minutos de duración sobre un tema en específico. Pasadas las cuarenta y ocho horas de concurso, los resultados eran dados a conocer: el equipo Rebel Alliance (Alianza Rebelde, nombre que se repetiría en el futuro) de Edwards ganaba el premio principal entre 87 equipos participantes. Con el cortometraje Factory Farmed el realizador no sólo debutaba como director de fotografía y editor, sino que establecía los primeros avances sobre el filme que lo impulsaría a Hollywood. 

Con siete personas en el crew y un presupuesto limitado, Edwards se internaría por tres semanas en México, Guatemala, Belice y Costa Rica para filmar su arriesgada ópera prima, algo que el propio realizador describiría como "una mezcla entre El Proyecto de la Bruja de Blair y La Guerra de los Mundos" que sería adaptada en el rodaje gracias al estreno de Cloverfield y Sector 9. Protagonizada por Scott McNairy y Whitney Able, quienes llegaron al proyecto por recomendación del productor de Vertigo Films y terminaron casándose meses después del lanzamiento del filme, Monsters contaba la historia de una pareja de americanos que deciden escapar de la zona de cuarentena (México, para ser más exactos) para llegar a su país de origen, que ahora ha sido tomado por una extraña raza de extraterrestres. 

Estrenada en South by Southwest, Monsters generó el ruido necesario para que el nombre de su responsable surgiera entre las columnas positivas de algunos críticos de los Estados Unidos y los estudios comenzaran a buscarlo. Meses más tarde del estreno del filme, Legendary Pictures confirmaría que Edwards era el nuevo director de Godzilla, el reboot que el estudio preparaba sobre el conocido personaje japonés. Estrenada en el 2014 y con el apoyo de la Warner Bros. Pictures, Godzilla impulsaría aún más al director que incluso antes del lanzamiento de su segundo filme, ya había firmado para su siguiente proyecto, uno que empezaría con una melodía compuesta por John Williams en los setenta. 

Edwards durante su cumpleaños 30º en una de las casas ocupadas como locación en A New Hope. Foto: Nerdist.com

En una galaxia muy, muy cercana...

"Star Wars es definitivamente la razón por la que quería ser cineasta. De hecho, Star Wars hizo que quisiera ir y estallar la Estrella de la Muerte y unirme a la Alianza Rebelde, pero cuando poco a poco aprendí que no había tal cosa y que todo era parte de una gran mentira llamada "una Película", pensé: bueno si no puedo ir y hacer esas cosas, entonces la segunda mejor opción es convertirme en un mentiroso y hacer esas películas que también contarían mentiras a los niños y ellos puedan odiarme tanto como yo odiaba a George Lucas.", escribió Edwards en el periódico The Guardian en Febrero del 2011, coincidiendo con el estreno inglés de su primer filme. 

La historia (y su talento) llevarían a Edwards a la mesa de negociaciones con Lucasfilms en el verano de 2014. Después de la confirmación de J.J. Abrams como director de la séptima entrega de Star Wars, la expansión del universo creado por George Lucas era decisión de Disney. Con Kathleen Kennedy (la mujer detrás de Steven Spielberg) en la producción, Gareth Edwards vería su nombre escrito en letras azules durante los créditos de Star Wars: Rogue One, la primera de una serie de películas que funcionarían como enlace entre La Venganza de los Sith y Una Nueva Esperanza. 

Escrita por Chris Weitz, basada en una idea del jefe creativo de Industrial Light and Magic, John Knoll; Star Wars: Rogue One contará la historia de un grupo de soldados rebeldes que intentan robar los planos de la Estrella de la Muerte para poder atacarla, antes de que el imperio los ataque a ellos. Con el arranque de la filmación previsto para este verano, Edwards habló sobre el filme durante la pasada edición del Star Wars Celebration: "Esperaba honestamente que lo odiara (El guión), estaba a la mitad de un rodaje y no quería tomar algo hasta seis meses después pero no fue el caso... no podría sentarme en el cine y saber que alguien más hizo este filme".

Durante la convención, el equipo creativo de ILM desarrolló un primer teaser del filme que será protagonizado por Felicity Jones y que podría tener a Riz Ahmed y Sam Claflin en sus créditos principales. Ocupando la voz de Alec Guinness como Obi Wan Kenobi, el pequeño avance mostraba a un par de naves del imperio volando sobre una selva donde a lo lejos se puede observar a la estrella de la muerte emergiendo en el horizonte. Al encenderse las luces del panel donde Edwards, Kennedy, Knoll, Kiri Hart y Pablo Hidalgo habían aparecido para hablar por primera vez del proyecto, la reacción fue unánime. La confianza de miles de warsies están depositada en Edwards. 

"Para mucha gente de mi edad, Star Wars: Una Nueva Esperanza era El clásico. Es exactamente la historia que quieres escuchar cuando eres un niño pequeño: donde puedes conseguir una arma y aprender de tus mayores y mentores: que está destinado a ser algo grandioso, que algún día va a ganar a la chica, matar al malo y salvar el universo. Ahora solo la veo cuando tengo que recordarme a mí mismo lo que quiero hacer con mi carrera. Cuando creces el mundo se hace más pequeño y repetitivo, pero Star Wars: Una Nueva Esperanza todavía se siente como magia para mí, como ese lugar enorme en el mundo que es tan épico que nunca podrás comprenderlo del todo, donde hay mucho que hacer y todo es emocionante. Cualquier cosa que ayude a crear ese sentimiento de maravilla que tenía cuando era niño no lo quiero ocupar todo a la vez porque no quiero que esa magia se agote" escribía un emocionado Edwards en un artículo que oportunamente se titulaba "La película que cambió mi vida". Star Wars cambió la vida de un pequeño Gareth Edwards, es momento de que el prometedor director en el que se convirtió ese niño, le devuelva el favor a la saga. 

Napolitano 83: ¿Necesitamos las Diosas de Plata?

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Era 1961. Habían pasado diecinueve años desde que el poeta, escritor y curiosamente crítico de cine Efraín Huerta había creado la asociación Periodistas Cinematográficos de México A.C. (PECIME) y parecía que tal organización no avanzaba hacia ningún lugar en específico. Sin embargo, en esa primavera del sesenta y uno, el PECIME recibiría de manos del periodista Benjamín Ortega (papá de Guillermo Ortega) el único símbolo que en el tercer lustro del siglo XXI la asociación conservaría y explotaría: la Diosa de Plata.

Desde su primera entrega en la ahora desaparecida revista México Cinema, la Diosa de Plata se había autodefinido como "el más alto honor al que se podía aspirar en la cinematografía nacional". ¿La razón?, cuatro años antes había desaparecido (momentáneamente) la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas (AMACC) que entregaba el Ariel. Con un discurso a favor de estimular al "inagotable talento que cada vez se multiplica en el país", las Diosas de Plata rápidamente se convirtieron en un premio inútil.

Así como los Arieles (que premia a lo "mejor" del cine), los Oye (que premia a lo "mejor" de la música), los APT / ACPT (que premian a lo "mejor" del teatro) y los TVyNovelas (que premia a lo que Televisa quiere premiar en su propia empresa), las Diosas de Plata no tienen una importancia verdadera en México. No generan competencia, no mejoran los ingresos de las películas nominadas (de hecho al momento del anuncio de las nominaciones todas las cintas en competencia ya habían salido de cartelera) y muchas veces no reconocen a quienes deberían de reconocer, siendo influenciados en la mayoría de las ocasiones por el poco impacto que tiene otorgarle una presea a un nombre importante.

Al igual que en los Globos de Oro (vaya lamentable comparación para los premios de la HFPA), las Diosas de Plata se han reducido a un premio segundón entregado por personas que tienen años que no escriben sobre cine. Así, la asociación de Periodistas Cinematográficos de México está presidida por un ex-reportero del periódico La Prensa, cuya última colaboración fue en junio de 1996 y que además tiene entre sus agremiados a colaboradores de periódicos desaparecidos (El Nacional, El Heraldo de México) y reporteros de televisión jubilados. Al parecer a la asociación no le molesta premiar a la nueva sangre en el cine nacional, pero si recibirla en sus filas.

Con diecinueve categorías, este año las innecesarias Diosas de Plata parece que acudieron a las agencias de relaciones públicas para consultar a sus nominados en lugar de a las salas de cine. Kate del Castillo, Adriana Louvier, Dulce María, Mar Contreras, Sandra Echeverría, Ludwika Paleta, Victor García, Andrés Bustamente, Rodrigo Virago, Erika de la Rosa, Mariana Seoane, Ana Brenda Contreras y Eiza González forman parte de la risible selección de nominados en los rubros de actuación, mientras que películas mediocres como Más Negro que la Noche, Cambio de Ruta, Cantinflas, La Hija de Moctezuma, Casi Treinta, ¿Qué le dijiste a Dios?, Canon, El Crimen del Cácaro Gumaro y Fachon Models fueron reconocidas en al menos una categoría.

Las Diosas de Plata se enfrentan este año a una de las tareas más difíciles que se les han presentado: justificar su existencia. Ya veremos en un par de meses si el Güiri Güiri se lleva su Diosa de Plata por aquel desastre donde interpretaba a un regente en la imaginaria Ciudad Güepez o si deciden sorprender y premiar a filmes como Obediencia Perfecta (Que encabeza las nominaciones con once menciones), Guten Tag Ramón o Güeros (que solo compite en Ópera Prima, premio que el año pasado ganó Eugenio Derbez por No se Aceptan Devoluciones). La moneda está en el aire.

Aquí se pueden consultar los nominados a las Diosas de Plata.

Napolitano 82: La "Verdad Sospechosa" de la nueva película de Luis Estrada.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En 1990, el escritor peruano y hoy Premio Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa declaró en un coloquio conducido por el también escritor Octavio Paz, que México era una dictadura perfecta: "La dictadura perfecta no es el comunismo. No es la URSS. No es Fidel Castro. La dictadura perfecta es México... tiene características de la dictadura: la permanencia, no de un hombre pero sí de un partido y de un partido que es inamovible". Después de su culposa reflexión dirigida al PRI y su hegemonía política en el país, Vargas Llosa sería expulsado y no podría regresar en poco más de una década, con el PAN en el poder y una vez superadas dos sucesiones presidenciales. 

De esa conversación y la famosa cita "La Dictadura Perfecta" se obtiene el título de la nueva película de Luis Estrada, cuyo estreno se encuentra parcialmente detenido. ¿La razón? una sospechosa historia que involucra a Televisa, productora del filme y principal agraviada por el mismo.

Escrita por Estrada y titulada originalmente como La Verdad Sospechosa, el filme sigue de cerca a un político de mediano renombre que, ayudado por la principal empresa televisiva del país ve impulsada su carrera hasta llegar a la Presidencia. Como todo favor se paga, al ahora presidente le corresponde ver y proteger los intereses de la televisora que lo llevó al poder e incluso le consiguió una nueva esposa.

Jugando con la idea que analistas como Denisse Dresser y Jenaro Villamil sostienen sobre el papel que jugó Televisa, la más importante cadena de televisión en el país, en las pasadas elecciones presidenciales y como la figura del actual presidente, Enrique Peña Nieto se vio favorecida mientras este era gobernador del Estado de México en gran parte gracias a la cobertura mediática que la empresa le brindó, Estrada realiza una sátira cómica sobre los medios y el poder en el país.

"No es que ataque a los medios, a las televisoras, simplemente los muestra como son, cómo se manejan, lo que ocurre. Es de cómo crean culpables o cómo alaban a la gente culpable y la hacen inocente; cómo tergiversas las noticias y están al servicio y unión de los poderes fácticos" declaraba Damián Alcazar, protagonista de la cinta en Marzo, al mismo tiempo que se anunciaba que la ahora titulada La Dictadura Perfecta llegaría a las salas de cine en el verano, cosa que no pasó.

Más allá del tema de la censura que el filme podría estar sufriendo en manos de la Presidencia de la República o RTC de la Secretaría de Gobernación, cosa que no sería nueva para una película de Luis Estrada recordando específicamente el extraño estreno de su exitosa cinta La Ley de Herodes en una difícil temporada electoral, la respuesta ante el atraso indefinido del último proyecto del también director de El Infierno recae directamente en Televisa, productora y distribuidora del filme.

En una curiosa movida Televisa decidió apoyar en la producción, junto al Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y Bandidos Films, de la cinta que tiene a Joaquín Cosío, Alfonso Herrera, Dagoberto Gama y María Rojo en los créditos principales y además brindarle, por medio de la distribuidora Videocine, el estreno correspondiente. Sin embargo al ver el producto terminado, la empresa propiedad de Emilio Azcárraga Jean enlató el proyecto al ver afectados a priori su imagen e intereses. Al ser prácticamente dueña de la película, Televisa se encuentra en su derecho de no proyectar el filme, eso sin evitar que la acción los deje como los malos, dentro y fuera de la pantalla.

Videocine no frena en la comercialización de cintas mexicanas de gran impacto. Tras el éxito obtenido con filmes como No se Aceptan Devoluciones, ¿Qué le Dijiste a Dios? y Cásese Quien Pueda, la compañía ha obtenido los derechos de prometedoras cintas como el remake en 3D de la clásica película de Carlos Enrique Taboada, Más Negro que la Noche, Cantinflas de Sebastián del Olmo y Visitantes, cinta de terror protagonizada por Kate del Castillo y Raúl Méndez.

Parece que se tendrá que esperar, por lo menos al próximo año, periodo electoral en algunos estados de la nación, para poder ver en pantalla el escandaloso proyecto de Estrada, aunque puede que para ese entonces ya hayamos vivido en carne propia muchas de las escenas que ahí se ofrecen.

Napolitano 81: Al Frente y detrás de la cámara.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Este fin de semana hubo un trío de estrenos interesantes en la cartelera mexicana y los tres son dirigidos por alguien cuyo papel en el cine comúnmente era frente a las cámaras. Se trata de Jersey Boys: Persiguiendo la Música (Jersey Boys) el más reciente trabajo de Clint Eastwood basado en el conocido musical de Broadway sobre el grupo de rock The Four Seasons, Casi un Gigolo (Fading Gigolo) el tercer filme como realizador de John Turturro con su amigo Woody Allen como protagonista y Pánico 5 Bravo, la tibia ópera prima de Kuno Becker.

La costumbre de que algunos histriones cambien de lugar en la realización de un filme no es nueva y cada vez es más común; tan solo en el pasado Festival de Cannes, The Homesman de Tommy Lee Jones, Los Incomprendidos (L'Incomprise) de Asia Argento, La Habitación Azul (La Chambre Bleu) de Mathieu Almaric, Río Perdido (Lost River) de Ryan Gosling y la ganadora del premio del Jurado, Mamá (Mommy) de Xavier Dolan, se presentaron en ambas secciones del certamen con el común denominador de que sus realizadores iniciaron su carrera como actores.

Desde Charles Chaplin hasta Ben Stiller, los trabajos de los antes actores ahora convertidos en directores siempre es de llamar la atención, en especial en la temporada de premios. En los últimos 50 años, nueve actores han ganado el Oscar a Mejor Director: Woody Allen en 1978 por Annie Hall, Robert Redford en 1981 por Gente como Uno (Ordinary People), Warren Beatty en 1982 por Rojos (Reds), Sydney Pollack en 1985 por África Mía (Out of Africa), Barry Levinson en 1988 por Cuando los Hermanos se Encuentran (Rain Man), Kevin Costner en 1990 por Danza con Lobos (Dance with Wolves), Clint Eastwood en 1992 y 2004 por Los Imperdonables (Unforgiven) y Golpes del Destino (Million Dollar Baby), Mel Gibson en 1995 por Corazón Valiente (Braveheart) y Ron Howard en 2001 por Una Mente Brillante (A Beautiful Mind). Este año, Angelina Jolie podría unirse a esa lista por su película Inquebrantable (Unbroken) sobre un medallista olímpico que durante la segunda guerra mundial es apresado por el ejercito japonés.

Otros casos incluyen a Jon Favrau ahora en cartelera con su cinta Chef a Domicilio (Chef), Rob Reiner director de Cuando Harry conoció a Sally (When Harry met Sally) y Miseria (Misery) basada en la novela de Stephen King, Sarah Polley quien en 2005 llevó a Julie Christie por una nominación al Oscar con Lejos de Ella (Away from Her), John Cassavetes actor en El Bebe de Rosemary (Rosemary's Baby) y director de Opening Night, Thomas McCarthy director de Ganar Ganar (Win Win), George Clooney nominado al Oscar por Buenas Noches, Buena Suerte (Good Night and Good Luck), Robert DeNiro con dos filmes como realizador, Drew Barrymore dirigiendo a Ellen Page en Chicas sin Freno (Whip It!), Sean Penn ganador de Oscars como actor y cuyo último trabajo como director llegó en 2007 con Into the Wild, James Franco entrando a las escenas eliminadas de una película protagonizada originalmente por Al Pacino en Interior Leather Bar, Seth Rogen filmando un divertido apocalípsis en Este es el Fin (This is the End) y Ben Affleck que con tres cintas incluyendo a la ganadora del Oscar como Mejor Película, Argo se ha ganado el respeto de la industria.

En México, también han existido esos casos. Antes de incursionar en la dirección en 1942 con La Isla de la Pasión, Emilio "El Indio" Fernández ya figuraba en los créditos de varias cintas como actor. Los charolastras Gael García Bernal y Diego Luna también han entrado en el mundo de la dirección, García Bernal iniciando en 2007 con Déficit y Luna en ese mismo año con el documental JC Chavez. Después de trabajar como actor en novelas y programas de TV Azteca, Mauricio T. Valle escribió y dirigió Sobre Ella, una interesante cinta sobre un grupo de amigos que un suceso inesperado pone aprueba el verdadero significado de su amistad. Actualmente Valle prepara su segunda película, Dariela los Martes donde además de participar como director y guionista también da vida a Rodrigo, el personaje principal de la cinta.

Pero ¿Qué tal lo hacen? Curiosamente muchas de las veces su trabajo es destacable, incluso de podría decir que aprendieron de los mejores, por ejemplo Sofia Coppola quien tuvo un gran debut en la dirección con Las Vírgenes Suicidas (The Suicide Virgins) creció viendo a su papá, Francis Ford Coppola, dirigiendo la trilogía de El Padrino (The Godfather) donde incluso participó como actriz en la última entrega. El hecho es que seguiremos viendo a actores pasarse al banquillo de director en algunos casos haciendo de sus cintas un ejercicio interesante y que merece que les sigamos la pista ahora en ambos roles. 

Napolitano 74: Cuarón - Cuarón.

Jonás (izq), Carlos (centro) y Alfonso (der) durante la Inauguración del FICM. | Foto: WARP.la

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En la cinematografía americana hay varias dinastías de realizadores y actores por mencionar, las hay desde las más sencillas como los Douglas, hasta las que son un obvio referente e incluso tienen su chimenea repleta de premios como los Coppola. En la historia del cine mexicano hay una que vale la pena destacar, los Cuarón.

La forma en como llegaron los Cuarón al cine es increíble. Después de salir del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) motivado por encontrar la distribución apropiada de su cortometraje Vengance is Mine, aunque algunos rumores dicen que fue expulsado de dicha escuela por el idioma de su trabajo, Alfonso Cuarón, junto a su hermano Carlos escribieron un guión, al presentársela al IMCINE, obtuvieron dos respuestas, primero, el filme no sería apoyado por el Gobierno, sin embargo al cancelarse uno de los proyectos que recibirían tal apoyo, la película sería considerada para tal estímulo y después, por falta de presupuesto, Alfonso era el candidato ideal para dirigir el filme.

Así surgió Sólo con tu Pareja, una comedia de enredos que fue bien recibida por la prensa y el público. Tomás, un mujeriego publicista (Daniel Giménez Cacho) recibe una extraña venganza cuando Silvia (Dobrina Liubomirova), una enfermera con la que Tomás salió, falsea un estudio clínico y lo pone como portador del VIH. Ante esto, el galán pierde la esperanza en la vida, hasta que conoce a Clarisa (Claudia Ramírez), una mujer que aunque le devuelva las ganas de vivir a Tomás, puede que ella las este perdiendo más y más.

La película, que ganaría cuatro Arieles, incluidos mejor guión y mejor ópera prima, marcaría el inicio de una recurrente colaboración para el más grande de los Cuarón, la mirada de Emmanuel Lubezki.

Tendrían que pasar diez años para una película con los dos hermanos Cuarón en sus créditos se estrenara y no lo pudieron hacer con mayor éxito, creando un hito en el denominado "nuevo cine mexicano". Con un guión irreverente con insinuaciones hacia Salma Hayek, las novias y hermanas de los personajes principales, apellidos basados en héroes de la historia nacional, amistades que terminan en rivalidad y un decálogo, en el que vale decirlo es "puto el que le vaya al América" que establece al buen charolastra, los Cuarón se consagran en el cine nacional e internacional con Y Tú Mamá También, película por la que ambos fueron nominados al Oscar en la categoría de Mejor Guión Original.

Protagonizada por Diego Luna, Gael García y Maribel Verdú, Y Tú Mamá También cuenta la historia de Julio (García Bernal) y Tenoch (Luna), dos grandes amigos que en una fiesta conocen a Luisa (Verdú) una española familiar a Julio a la que se llevan a una playa en Oaxaca, durante el viaje, Luisa fungirá como figura del deseo de ambos personajes en un abierto despertar a la sexualidad.

Desde entonces los Cuarón jamás habían estado tan cerca, salvo la participación de Alfonso como productor de la ópera prima de su hermano Carlos, Rudo y Cursi en el 2009, como ahora lo están, producto de una tramposa movida mercadotécnica.

Después de múltiples contratiempos que involucran, aumento y disminución de presupuesto, abandono de actores y una probable pequeña distribución, se estreno la semana pasada en México, Gravedad (Gravity) el más reciente proyecto de Alfonso Cuarón, donde dirige a Sandra Bullock y George Clooney, además el argumento de la película fue escrito por otro Cuarón, en este caso, Jonás, hijo del realizador y la actriz Mariana Elizondo.

La doctora Ryan Stone (Bullock) y el veterano astronauta Matt Kowalsky (Clooney) quedan atrapados en el espacio exterior después de que una lluvia de basura espacial destruyera la nave Explorer, donde ellos viajaban. Con la única esperanza de establecer comunicación con la tierra, ambos emprenden un viaje hacia la estación espacial internacional, pero deberán ser rápidos ya que difícilmente podrían sobrevivir más tiempo en el espacio; un lugar donde la vida es imposible.

Con un impacto técnico impecable y una gran actuación por parte de Bullock, Gravity ha recibido grandes halagos por parte de la crítica y el público y actualmente sitúa a Cuarón como el favorito para llevarse el Oscar como Director, Editor y productor en el rubro más importante de la noche, Mejor Película, logrando una hazaña que sólo Alejandro González Iñárritu con Babel estuvo cerca de lograr.

Por otro lado, esta semana se estrenó Besos de Azúcar, la segunda película de Carlos. Nacho (César Kancino) es un adolescente que se enamora de Mayra (Daniela Arce), el problema es que su amor es imposible ya que, como dice la canción, son de distintas sociedades. Él es hijo de una policía de tránsito (Paloma Arredondo) y ella, hija de la más poderosa líder de comerciantes ambulantes de Tepito (Veronica Falcón), de la que el padrastro de Nacho (Enrique Arreola) es dependiente.

Una cinta mediocre que resalta, en gran medida, el desconocimiento del director sobre la situación donde desarrolla el filme es una frase con la que se puede describir a la cinta, que tuvo un frío recibimiento en el Festival de Cine de Guadalajara, a principios de este año. Lo peor es que la cinta retrata un estancamiento por parte del menor de los hermanos Cuarón, literalmente, mientras uno va al espacio y crea una nueva forma de presentar una historia, el otro regresa a una zona popular de la ciudad de México y la llena de estereotipos en una de las peores películas del año.

Tanto Gravity, como Besos de Azúcar ya están en cartelera, aunque apostamos a que no eso no será por mucho tiempo.

Era tentador terminar esta columna con Si no te hubieras ido de Marco Antonio Solís y recordar a dos jóvenes Diego Luna y Gael García bailando con Maribel Verdú en medio, pero mejor los dejo con Queenie Eye, parte del nuevo disco de Paul McCartney, titulado New. En el video, el músico inglés reúne a Johnny Depp, Meryl Streep, Jeremy Irons, Sean Penn, Chris Pine, Jude Law, el diseñador y director Tom Ford, entre muchos otros.

Les recuerdo que pueden seguir a este blog en @CinePlanetaBlog en Twitter y en Facebook como Cine Planeta. Envíenme sus comentarios, dudas y sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com y siganme en Twitter como @AndresOlasToro. Hablando de los Cuarón, pueden leer mis reseñas a Gravedad de Alfonso y Besos de Azúcar de Carlos, además de muchas películas en cartelera más en mi blog. ¡Que tengan una semana llena de Cine!.

Napolitano 73: El Corona Capital 2013 (o como ya hemos escuchado eso en el cine).

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Este fin de semana fue, sin duda, el fin de semana más importante para los actos musicales en vivo en México este año. El Corona Capital en su cuarta edición reunió en solo 48 horas a más de 80 mil espectadores gracias a sus 50 artistas invitados en 4 diferentes escenarios.

El CC13, realizado en la curva cuatro del Autodromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México, compite para ser considerado en Festival de categoría A, compartiendo honor con Coachella, Glastonbury, Austin City Limits, las franquicias de Lollapallooza y Rock in Rio, por eso la gran diversidad de artistas que se dieron cita en el lugar, desde el pop más comercial con Capital Cities (la canción de los comerciales de casi todas las empresas de telecomunicaciones de Carlos Slim), hasta el proyecto más moderado y selecto como Sigur Rós.

De las bandas presentadas durante esta edición del festival, hemos podido escuchar a varias en la pantalla grande, ya sea como fondo en una escena importante o con un tema compuesto específicamente para la película. Aquí unos cuantos ejemplos de esto, con los headliners del evento:

The XX 

Sábado 13 - Escenario Corona

Conformada en el suroeste de Londres, Inglaterra en el 2005, The xx es una de las bandas más importante del indie rock de la escena musical actual. Romy Madley Croft, Oliver Sim y Jamie Smith integran al grupo que se ha presentado en reconocidos festivales, como Coachella, Sasquatch, Bonnaroo, Lollapalooza y Austin City Limits.

Este año, The XX compuso e interpreto Together, uno de los múltiples temas originales de la película de Baz Luhrmann, El Gran Gatsby (The Great Gatbsy, 2013). De su primer disco, The xx, se desprenden Intro, utilizada en Proyecto X (Project X, 2012) e It's Kind of a Funny Story (2010) y Shelter, que se puede escuchar en Soy el Número Cuatro (I'm Number Four, 2011).

Phoenix 

Sábado 13 - Escenario Capital

Con cinco discos grabados bajo el brazo, Phoenix conforma el plato principal del escenario Capital en esta edición del festival. Formada en 1999 por Thomas Mars, Deck D'Arcy, Laurent Brancowitz y Christian Mazzalai, la banda ha pasado de ser un éxito underground a un must para las masas.

 

La relación que el vocalista Thomas Mars sostiene con la directora Sofia Coppola, ha convertido al grupo Phoenix, un constante elemento en la filmografía de la realizadora. Ya sea en una fiesta en la capital japonesa en Perdidos en Tokio (Lost in Translation, 2003), la apertura y clausura de una introspectiva a un actor solitario en En Un Rincón del Corazón (Somewhere, 2010) o como fondo de la caótica vida de un grupo de jóvenes ladrones en Ladrones de la Fama (The Bling Ring, 2013), el grupo ha posicionado sus canciones Too Young, Love like a Sunset Part I y Love Like a Sunset Part II, Drakkar Noir y Bankrupt!, en las películas de Coppola. El primer sencillo de su más reciente trabajo, Entertainment, también figuro dentro de la película Los Ilusionistas: Nada es lo que Parece (Now you see Me, 2013).

M.I.A. 

Sábado 13 -  Bizco Club 
Rapera, cantante, productora, letrista y diseñadora gráfica; entre muchas otras cosas, Mathangi Arulpragasam, nombre oficial de la cantante M.I.A, fue uno de los actos principales del Bizco Club, curado por 8106, Los Amateurs y Sicario.

 

Al menos dos canciones de M.I.A. se han reproducido en varias ocasiones junto a una escena en una película en los últimos años. Paper Planes, aquella utilizada por Danny Boyle en Slumdog Millionaire (2009) para fondear el atraco y trabajo de los protagonistas en su niñez, también es retomada en This is the End (2013) comedia de este año sobre el fin del mundo con Seth Rogen y James Franco. Bad Girls fue retomada en The Bling Ring, Ladrona de Identidades (Identidy Thief, 2013) y Step Up Revolution (2012). Recordemos también que la interprete es co-compositora de O Saya, tema de la película de Boyle, nominado al Oscar como Mejor Canción.

Deadmau5 

Sábado 13 - Escenario Corona
Nacido en 1981, Deadmau5 es un conocido productor de música electrohouse. Con nueve álbumes de estudio grabados y una gigantesca máscara de ratón, el DJ fue uno de los platillos principales del festival en su primer día.

 

A Deadmau5 lo podemos ver de esta semana en cartelera haciendo una participación rápida en Apuesta Máxima (Runner Runner, 2013). Además sus canciones FML, Sofi Needs a Ladder y I Remember han sido utilizadas en The Bling Ring, The Hangover Part II (2011) y The Lincoln Lawyer (2011) respectivamente.

Blondie 

Sábado 13 - Bizco Club
Hablar de Blondie, el grupo neoyorquino integrado originalmente por Debbie Harry, Clem Burke, Gary Valentine, James Destri y Chris Stein, es hablar de una de las agrupaciones más importantes de la New Wave en los setentas. Diez discos, desde Blondie de 1976 hasta su próximo material, Ghosts of Download, conforman el extenso catálogo de la banda.

 

Nominados al Globo de Oro por Call Me, tema de American Gigolo, la agrupación fue retomada en al menos 50 cintas a lo largo de toda su carrera, los temas son varios, sin embargo dos saltan a la vista. Heart of Glass, sencillo de 1979 ha sido utilizada en las películas Gettin' Down (1979), Endless Love (1981), Just Before Dawn (1981), Splitz (1984), Donnie Brasco (1997), The Last Days of Disco (1998), Glitter (2001), Locos de Ira (Anger Managment, 2003), Súper 8 (Super 8, 2011) y The Iceman (2012). Mientras que One Way or Another, se escucha en Little Darlings (1980), My Best Friend is a Vampire (1987), Carpool (1996), Beverly Hills Ninja (1997), Donnie Brasco (1997), Coyote Ugly (2000), Chicas Pesadas (Mean Girls, 2004), El Gato con Botas (Puss in Boots, 2011) y Princesa por Accidente (Monte Carlo, 2011). 

Asistentes al Festival durante la presentación de Capital Cities, Octubre 13.

Vampire Weekend

Domingo 14 - Escenario Capital

Formada en el 2006, también en Nueva York, Vampire Weekend es una de las bandas de indie rock, más importantes de los últimos años. Liderada por Ezra Koenig, la agrupación cuenta con un notable reconocimiento de sus tres discos. El curioso ascenso de Vampire Weekend se dio gracias a el ruido que varios blogs de internet hicieron cuando la banda solo era un proyecto de tres estudiantes de la Universidad de Columbia.

 

Desde Hermanastros (Step Brothers, 2008) con A-Punk hasta Los Pitufos (The Smurfs, 2011) con Holiday, la participación de Vampire Weekend en el cine en los úlitmos años ha sido vasta; Ottoman en Nick y Nora: Una Noche de Música y Amor (Nick and Norah's: Infinite Playlist, 2008), Campus y Oxford Comma en Te Quiero, Hermano (I Love you Man, 2009), Cousins en Los Niños están Bien (The Kids are All Right, 2010) y Jonathan Low en Eclipse (The Twilight Saga: Eclipse, 2010), son prueba de ello.

Arctic Monkeys 

Domingo 14 - Escenario Capital

Con inspiraciones de The Smiths, The Vines y Oasis, Arctic Monkeys, son un referente musical, cultural y hasta político en el Reino Unido y el resto del mundo. Nominados al Mercury Prize, alabados por NME, odiados por la televisión inglesa, escuchados por el antiguo Primer Ministro, Gordon Brown, el grupo de rock alternativo, liderado por Alex Turner, fue sin duda el plato fuerte del Domingo y uno de los shows más vistos.

 

La aparición de la banda en el cine ha sido escasa pero notable, su tema Brick by Brick sonaba en la película del 2012, Safety not Guaranteed. Sin embargo su vocalista, Alex Turner fue más allá en el 2010 al componer y supervisar buena parte de la música utilizada en la película independiente Submarine (2010) de Richard Ayoade, sobre un joven de quince años que quiere perder su virginidad antes de su cumpleaños 16, sin embargo sus planes podrían ser perjudicados por la presencia de su madre y una ex-novia.

Sigur Rós

Domingo 14 - Escenario Corona Light

El frío escenario islandés creo, en 1994, a una de las bandas minimalistas más alabadas del post-rock europeo. Sigur Rós, rosa de victoria en islandés, cuenta con siete discos de estudio y la dirección de la banda sonora del documental islandés Hlemmur, de Ólafur Sveinsson.

 

Algunos de sus temas, como Festival, All Alright, Hoppipolla, Untitled #1, Staralfur, Samskeyti y The Nothing Song han sido ocupadas en las películas 127 Horas (127 Hours, 2010), La Mujer que Venía del Mar (Ondine, 2009) de Neil Jordan, Penélope (2006), la nominada al Oscar, Después de la Boda (After the Wedding, 2006), La Vida Acuática de Steve Zisou (Life Aquatic, 2004) de Wes Anderson, Mysterious Skin (2004) y Vanilla Sky (2001), respectivamente.

Giorgio Moroder
Domingo 14 - Bizco Club

"My Name is Giovani Giorgio but everybody calls me Giorgio", narra el productor y compositor Giorgio Moroder en el track Giorgio by Moroder del disco Random Access Memories de Daft Punk. Moroder es una leyenda en la música disco al incluir el uso de sintetizadores y producir a figuras como Donna Summer, Bonnie Tyler y David Bowie.  

   

Moroder no es ningún ajeno al cine, ganador de tres premios Oscar, el productor ha intervenido en  cintas como El Expreso de Medianoche (The Midnight Express, 1987) por la cual ganó el Oscar a Mejor Banda Sonora, Gigolo Americano (American Gigolo, 1980), Caracortada (Scarface, 1983) y La Historia sin Fin (The Neverending Story, 1984); además de producir los temas What a Feeling de Flashdance (1984) y Take my Breath Away de Top Gun: Pasión y Gloria (Top Gun, 1986), ambas ganadoras del Oscar como Mejor Canción Original. En 1984, Morder musicalizó la obra clásica de Fritz Lang; Metrópolis.

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Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, les recuerdo que la próxima semana inicia el Festival Internacional de Cine de Morelia, en este espacio ya pudimos ver algunas películas que forman parte de la programación del certamen, como Gravedad (Gravity), Besos de Azúcar y el remake americano de Somos lo que Hay (We Are what we Are), así que estaremos comentándolas en una nueva edición. CinePlaneta realizará, como es costumbre, una gran cobertura del festival, por lo que les recomiendo seguir a este blog en @CinePlanetaBlog y Cine Planeta. 

Los dejo con Death de White Lies, una de mis canciones favoritas y que también se puede escuchar en la película Diabólica Tentación (Jennifer's Body) de Diablo Cody. White Lies se presentó el sábado en el Escenario Corona. Envíenme sus comentarios, dudas o sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com o @AndresOlasToro, pueden leer mis reseñas a Una Noche en el Fin del Mundo y Apuesta Máxima, estrenos de esta semana, en mi blog. ¡Que tengan una semana llena de Cine y en esta ocasión de Música!.

“Enero” y la sección michoacana del FICM

El 2013 marcará una importante etapa para el Festival Internacional de Cine de Morelia; además de iniciar su segunda década y permitir no sólo primeras y segundas películas en la selección de largometraje mexicano, por primera vez en su historia un largometraje competirá dentro de la sección michoacana, donde hasta ahora únicamente habíamos podido ver cortometrajes.

El festival está evolucionando congruentemente con la importancia que ha ido tomando en sus once años de vida. Generalmente, los trabajos inscritos en la sección michoacana eran de una calidad muy menor a los mostrados en las categorías nacionales de cortometraje de ficción, documental o animación, pero poco a poco, lo estándares y proyectos programados han mejorado considerablemente.

Quizás es un poco extraño ver una película de una duración como la que tiene “Enero” compitiendo con otras que apenas llegan a los dos minutos. Algunos no estarán muy de acuerdo con la decisión de empalmar de una forma tan contrastante un concurso de éste tipo, mientras que otros (entre los que me incluyo) se sentirán felices de comprobar que en el estado está creciendo la calidad y producción fílmica. Muchos años han pasado desde la última vez que se filmó una cinta con una identidad que represente a Michoacán de la manera que ésta lo hace.

A pesar de ser su ópera prima, Adrián González Camargo y su equipo son bien conocidos en el festival. Adrián ha recibido en dos ocasiones el premio a mejor guión michoacano, además de una mención honorifica en el GIFF. Por su parte, Anna Soler Cepriá (directora de fotografía) ganó en el 2007 el premio a mejor documental en el Festival de Cine de Baja California y mención honorífica en Morelia, mientras que Mariano Rentería se llevó el premio a mejor cortometraje michoacano en la edición pasada del FICM, mismo que se exhibió durante la Semana de la Crítica en Cannes.

“Enero” es un gran esfuerzo cinematográfico con elementos suficientes para ganar la categoría en la que concursa, a pesar de que también hay varios cortometrajes en éstas condiciones. Será muy interesante ver quién ganará esta sección, que si bien, es la más afín al festival, triste y normalmente es la que menos entusiasmo genera.

La financiación requirió organizar conciertos para recaudar fondos y abrir un sitio que gestionara el crowdfunding (que no llegó a ser ni el 1% del presupuesto usado, según declaraciones Alberto Zuñiga, quien funge como productor).

“Tras asesinar a su esposa, Horacio huye con su amante, lejos de la ciudad. En una cabaña en el campo, ambos buscarán que su historia se convierta en una oda al amor; sin embargo, algo se interpondrá en su historia, impidiéndoles la felicidad.”

Aunque la secuencia que abre el filme es de las menos logradas en cuanto a un nivel diegético, Enero es capaz de llevar un ritmo lento –pero jamás cansado- que sube progresivamente de nivel mientras la narración avanza, conduciéndonos con potentes alegorías oníricas, ambigüedades y paradojas que hablan acerca de la condición humana y su relación con otras personas.

Dos cosas demeritan notoriamente la estupenda construcción de hechos escrita por Camargo: el sonido sucio en algunos fragmentos y las actuaciones de los protagonistas, que carecen de verosimilitud.

El carácter minimalista y tranquilo permanece en todo momento, excepto cuando el leitmotiv se hace presente, advirtiéndonos un peligro próximo. Analogías por contraste surgen con Lucrecia (Sheyla A. Rodríguez) curando las heridas físicas de Horacio (Ernesto Hernández Doblas). Conforme va terminando, lo lastima incluso más, ya sea con argumentos o violencia mínima, pero efectiva en la psique del confundido personaje, incapaz de cumplir las intenciones que lo llevaron a ese lugar. Esto no es spoiler, puesto que se hace evidente todo el tiempo.

La fotografía es otro aspecto a destacar. Si bien, no llega a sorprender, sí se muestra cuidada y conveniente con el contexto en el que el relato gira.

Es una pena que el potencial de “Enero” no haya podido ser explotado completamente, quedándose sólo como un proyecto en el que se nota el esfuerzo, que lamentablemente no consigue llevar la cinta a sus máximas consecuencias.

Pese a esto, es muy digna competidora, y fuerte rival para obtener el galardón.

Otros trabajos en competencia son la animación 2D “Algo del universo” de Diego Isham , “Ciudad capital” de Agustín Bracho Adalid, el stop-motion “Dr. Onco” de Yadira Arellano, “Esteban Grabinski” de Víctor Rodrigo Pérez Hernández, “Larga espera” de Julio Alberto Ávila Díaz, “Llamada nocturna” de Mauricio Calderón, “Secreto” de Jorge Sistos Moreno, “Terreno Baldio” de Gerardo Martínez Aguilar, “Tiempos supermodernos” de Lubianca Durán Becerra y “Una estatua mutilada” de Juan Carlos Oñate.

Para leer más sobre el 11 FICM, sigue esta liga.

Napolitano 72: Francisco Franco; "Dictador" o "Director donde sea".

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En cierta ocasión, Cecila Suárez comentaba que el nombre le queda perfecto, en cuanto a dirección, Francisco Franco es "todo un dictador". También en cierta ocasión, el mismo Franco se describió como un "director donde sea". Lo cierto es que el nombre de Francisco Franco Alba, es conocido no solo por su similitud con personajes históricos; sino por su amplia trayectoria.

El trabajo de Franco, nacido en Aguascalientes, no se limita a un solo lugar, su nombre ha figurado en obras de teatro como Calígula Probablemente, Un Tranvía Llamado Deseo, El Cuaderno Rojo y otras historias para ir a la cama y Tennessee: En Cuerpo y Alma. Las novelas Teresa, Las Secretas Intenciones y el programa Mujer casos de la Vida Real son algunos de los ejemplos del trabajo del director durante su paso por Televisa, y en cine, Franco sorprendió en 2007 con Quemar las Naves, su primer filme, ganador de dos premios Ariel y el premio de la Audiencia del Festival de Cine de Morelia de ese año.

Dictador o director donde sea, Franco goza de un nombre y prestigio en todos los ambientes y este próximo mes de Octubre, podremos seguir viendo su nombre en dos grandes marquesinas del país, el 4 en las carteleras de cine con el estreno de su segunda película Tercera Llamada y a partir del 10 de Octubre como director del montaje Teatral, El Curioso Incidente del Perro a Medianoche en el Teatro Insurgentes; ambas con un gran reparto.

Primera..., Segunda..., Tercera Llamada
Ganadora del premio del público, el premio de la prensa y el premio a Mejor Actriz - Elenco en el pasado Festival de Cine de Guadalajara, Tercera Llamada es la segunda película de Franco y llegará a las salas comerciales del país el 4 de Octubre, en medio de una buena racha que el cine mexicano experimenta.

Falta mes y medio para el estreno de Calígula, de Albert Camus y la compañía teatral es un desastre, la directora neurótica entra en conflicto con su pareja y actores, los técnicos se han robado la escenografía, la productora se la pasa ebria, el actor estrella de la televisión abandona el proyecto, la diva se siente ofendida, el viejo actor no puede recordar sus diálogos, entra una nueva actriz al quite y entra en pánico. ¿La obra podrá estrenarse cuando la tercera llamada sea anunciada?.

La película de 92 minutos, explora al teatro mexicano en una divertida y conmovedora cinta, donde todos los actores llevan sus papeles con maestría, sin protagonismos y acorde al delineado compás que Franco establece como director. El mayor acierto es el guión, escrito por el mismo Franco y la actriz María Renée Prudencio, lleno de momentos hilarantes y que a los amantes y no amantes del teatro terminará por encantar.

El Cast de Tercera Llamada integra a Irene Azuela, Karina Gidi, Mariana Treviño, Rebecca Jones, Cecilia Suárez, Anabel Ferreira, Fernando Luján, Ricardo Blume, Moisés Arizmendi, Alfonso Dosal, Jorge Poza, Eduardo España, Víctor García, Krystian Ferrer, Jorge Adrián Espíndola, Mauricio García Lozano, Martín Altomaro y Silvia Pinal; además de diversas apariciones especiales a lo largo de la película.

El regreso a Insurgentes 1587

Con El Curioso Incidente del Perro a Medianoche, Franco regresa a la dirección de una puesta en escena en el Teatro de los Insurgentes, su tercera colaboración ahí, después de Todo Sobre mi Madre, versión teatral de la película de Pedro Almodóvar y Amor, Dolor y lo que traía puesto de Nora y Delia Ephron.

Basada en la novela homónima escrita por Mark Haddon, la obra cuenta la historia de Christopher Boone, un joven con síndrome de Asperger con grandes capacidades pero con dificultad para establecer relaciones. Una noche cuando Wellington, el perro de su vecina aparece muerto, todas las sospechas recaerán sobre el muchacho que decide investigar por su cuenta para limpiar su nombre.

Protagonizada por Luis Gerardo Méndez, Rebecca Jones, Alejandro Camacho, Cecilia Suárez, Luz María Aguilar y un gran elenco, la puesta escena cuenta con música original de Julieta Venegas y escenografía de Jorge Ballina.

El Curioso Incidente del Perro a Medianoche, se presenta a partir del 10 de Octubre en el Teatro de los Insurgentes (Av. Insurgentes Sur #1587) en funciones Jueves 20:30, Viernes 19:00 y 21:45, sábado 18:00 y 20:45 y domingo 18:00 y 20:30, boletos en Ticketmaster y taquillas.

Con las muestras anteriores, queda más que claro que Francisco Franco, puede ser un gran director donde sea.

Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, les recuerdo que pueden seguir a este blog en @CinePlanetaBlog en Twitter y Cine Planeta en Facebook. Envíenme sus comentarios, dudas y sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com, @AndresOlasToro en Twitter y lean mis reseñas en El Proyector CVOT. Los dejo con Shot at the Night, la nueva canción de The Killers, cuyo video es protagonizado por Bella Heathcote y Max Minghella a quien acabamos de ver en la película Aprendices fuera de Línea (The Internship). ¡Que tengan una semana llena de Cine!.

Foto: La Jornada

Napolitano 71: El Curioso Caso de No Se Aceptan Devoluciones

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

A estas alturas es casi imposible no saber de la película No se Aceptan Devoluciones (2013), el filme ha resultado ser una sorpresa en la taquilla norteamericana, donde en cuatro semanas ha recaudado más de 30 millones de dólares (435,390,674 pesos al tipo de cambio actual) y en crítica obtiene resultados variados (54% de frescura en Rotten Tomatoes, por ejemplo).

La ópera prima del actor y comediante Eugenio Derbez, pinta para ser un éxito comercial de este lado del Rio Bravo, donde estrena con más de 2000 copias, algo pocas veces visto para una película producida en México.

La cinta, de cien minutos de duración, narra la historia de Valentín (Derbez), un mujeriego lanchero acapulqueño que ve su vida transformarse cuando una mujer toca a su puerta y le entrega a una pequeña niña, su hija. Decidido a devolver a la niña con su madre, Valentín viaja a Estados Unidos, donde encuentra trabajo como doble de riesgo y comienza a establecerse con la pequeña, hasta que un día, ocho años después del intempestivo reencuentro padre e hija, la madre regresa para reclamar la paternidad de la menor. El melodrama con tintes de Kramer vs Kramer, fue escrito por Guillermo Ríos, Leticia López y el mismo Derbez, además cuenta con las actuaciones de Arcelia Ramírez, Karla Souza, Arap Bethke, Ari Brickman, Jesús Ochoa, Hugo Stiglitz y Alessandra Rosaldo.

El filme tiene dos grandes fortalezas, su accesible guión y la actuación de la pequeña Loreto Peralta, quien en el papel de la niña se convierte en el elemento más encantador del filme. Si, tiene su final lacrimogeno, sin embargo lo anteriormente mostrado adquiere valor. El filme tiene momentos muy bien logrados, incluso parece ser que Derbez es el único error a lo largo de la trama, donde se encuentra más preocupado por dirigir que parece que poco le importó ser quien lleva el principal peso en la película.

A ciencia cierta no se sabe que fue lo que ocasionó el boom de la película en territorio americano y con lo que se intenta vender en nuestro país. Tan solo en los últimos meses el público latino se ha dado a notar mucho en Estados Unidos, Univision fue la cadena de televisión más vista en los últimos dos meses en EU, más de 3.6 millones de hogares siguen telenovelas como Porque el Amor Manda, La Tempestad y Que Bonito Amor y los ingresos latinos al cine estadounidense se ubican en lugares poco sospechados en los últimos meses. Sin embargo, la idiosincrasia que el público americano este obteniendo gracias a los productos que lleguen a su país, poco importa en el éxito de esta cinta, o de muchas otras que vendrán gracias al resultado de la misma. En eso de crear un éxito en taquilla, las instrucciones no vienen incluidas.

"Ya que no tenemos el apoyo de nuestro país, buscaremos por otro lado".
Tras darse a conocer que Heli de Amat Escalante y La Jaula de Oro de Diego Quemada-Diez, serían los filmes que representarán a México en la próxima entrega del Oscar y el Goya, respectivamente, Derbez declaró a El Financiero: "La película la hice porque sentí un gran rechazo del gremio cinematográfico en México y hoy vuelve a pasar.. Creo que mí película encaja perfectamente con el perfil de los Óscares, no lo digo yo, lo dice la taquilla que ha hecho en Estados Unidos... Vamos a inscribirla (a los Óscares) y como ya se estrenó en Estados Unidos, puede competir como película independiente. Ya que no tenemos el apoyo de nuestro país, lo haremos por nuestro lado".

Ni tan "no apoyada"
No se Aceptan Devoluciones, comenzó a filmarse en México y Estados Unidos en 2011 con una inversión de 72 millones de pesos, distribuidos entre Alebrije Cine, Grupo Financiero Inbursa, Fulano Mengano & Asociados, FIDECINE, EFICINE 226, CONACULTA y los Estudios Churubusco, estos últimos cuatro apoyos del estado. En Estados Unidos, la película fue cobijada por Pantelion Films, empresa de distribución y producción creada por Lionsgate Films y Televisa, donde se inyectó una inversión de más de 6 millones de dólares para promoción.

Conociendo el impacto que tiene el nombre de Eugenio Derbez en las marquesinas mexicanas; (Taquilla de $127,524,871 en 2010 por No Eres Tú soy Yo y $123,132,869 en 2007 por La Misma Luna), Videocine, también propiedad de Televisa, decidió ingresar el filme con más de 2000 copias, número de copias que este año solo puede ser igulado por Mi Villano Favorito 2 (Despicable Me 2, 2013), Rápidos y Furiosos 6 (Fast and Furious 6, 2013) y El Hombre de Acero (Man of Steel, 2013) cintas cuyos ingresos superan los 300 millones de pesos. Además la cinta va por el récord impuesto por Nosotros los Nobles, película que a principios de este año se estableció como la cinta mexicana más taquillera de todos los tiempos, al recaudar poco más de 337 millones de pesos.

Eugenio Derbez participará en el 5to Festival Internacional de Cine Universitario Lanterna en la Universidad Anáhuac México Norte el Jueves 26 de Septiembre a las 13:00hrs en el Auditorio de Rectoría. Además de Derbez, Carlos Cuarón, presentando su nuevo filme Besos de Azucar, Manolo Caro, Natalia Beristain, Leonardo Zimbrón, y Billy Rovzar se presentarán en conferencias frente a los asistentes. La programación la pueden consultar aquí.

Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, les recuerdo que pueden seguir a este blog en @CinePlanetaBlog en Twitter y Cine Planeta en Facebook. Envíenme sus comentarios, dudas y sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com, @AndresOlasToro en Twitter y lean mis reseñas en mi blog. Los dejo con Sirens de Tom Odell que se puede escuchar en el trailer de la cinta Cuestión de Tiempo (About Time) de Richard Curtis, que se presentará como función especial en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia. ¡Que tengan una semana llena de Cine!.

Napolitano 70: Los $499,384,616.25 para el Cine Nacional.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

La mañana del 14 de Septiembre, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) dio a conocer la lista de películas seleccionadas para recibir el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción Cinematográfica Nacional; mejor conocido como EFICINE, previsto en el artículo 226 de la Ley del Impuesto sobre la Renta (ISR).

¿En qué consiste este estímulo? El 226 permite a contribuyentes aportar recursos a un proyecto de inversión cinematográfico y recuperar el monto de su aportación a través de una disminución en el pago del ISR, el monto recuperable no puede ser mayor a los 20 millones de pesos, ni de 10% del ISR del aportante en su declaración anterior. El máximo de aportaciones permitido por año es de 500 millones de pesos, aunque con la nueva Reforma Fiscal propuesta por el presidente Enrique Peña Nieto, el monto subiría a 650 millones de pesos.

En esta ocasión se otorgaron 499,384,616.25 pesos, 615,384 pesos menos que el ejercicio pasado, donde se apoyaron filmes como Una Película con Más Huevos y un Gallo, Club Sándwich, Paraíso, Los Árboles Mueren de Pie, El Crimen del Cácaro Gumaro, Las Aparicio, KM31-2 y el remake de Más Negro que la Muerte.

Con esto cuarenta y cinco proyectos se sumarían a los más de doscientos treinta y nueve trabajos que el estímulo ha apoyado en los últimos seis años. Poco sabemos de las cintas que gozarán del apoyo, aquí unas cuantas.

Un Novio para mi Mujer
Monto del Estímulo Otorgado: $20,000,000.00
Remake de la exitosa comedia argentina Un Novio para mi Mujer, dirigida por Juan Taraturo que en 2008 lideró la taquilla en ese país sudamericano. La trama es sencilla, Diego no sabe que hacer con su mujer, Andrea, que quiere el divorcio. La solución que Diego y su amigo Carlos encuentran los llevará a plantearle un nuevo romance a Andrea, para que se calme.
Este no es el primer remake mexicano a una cinta de Taraturo, en 2010 se llevó a la pantalla grande la historia original No sos Vos, soy Yo con Eugenio Derbez en el rol principal en No eres Tú, Soy Yo.

Don Gato 2
Monto del Estímulo Otorgado: $20,000,000.00
Después del inusitado éxito de Don Gato y su Pandilla, que en 2011 recaudó más de 20 millones de dólares en todo el mundo, Warner Bros y Ánima Estudios ya están trabajando en la secuela del personaje creado por William Hannah y Joseph Barbera.
"Para Don Gato 2, estamos en el proceso de los guiones pues queremos conservar la esencia de Don Gato, pero al mismo tiempo que enganche con las nuevas generaciones. Sabemos que tenemos que mejorar algunas cosas pero estamos seguros de que va a ser espectacular", declaró Fernando de Fuentes, de Ánima, en entrevista en Diciembre del 2012. Aún no hay nada confirmado sobre la historia del filme.

Tierras Rojas
Monto del Estímulo Otorgado: $20,000,000.00
Hay un círculo vicioso en el cine mexicano, el gusto, inexplicable a mi forma de ver, del público hacia Martha Higareda y, el todavía más inexplicable, gusto de la actriz y escritora por seguir haciendo cine, en especial sobre Mariachis. Después de Mariachi Gringo, que en 2012 se llevará el premio a Mejor Película y Mejor Actriz en el Festival de Cine de Guadalajara, Higareda retoma a los musicales personajes en Tierras Rojas, el segundo largometraje que produce.
Durante su participación en el Riviera Maya Film Festival, la también directora y guionista anunció el proyecto "Estamos produciendo una película que se llama Tierras Rojas... también es de mariachi, que me llama mucho. Estamos haciendo el filme con amigos y cada uno tendrá una participación especial, algo más de equipo. Es muy pequeño, lo estamos levantando nosotros y nos dirige Noé Santillán".
Su "pequeño" proyecto fue apoyado por ocho empresas, entre las que destacan HSBC, Grupo Vasconia y Cervezas Modelo del Bajío, con veinte millones de pesos.

La Delgada Línea Amarilla
Monto del Estímulo Otorgado: $16,531,204.00
Durante la promoción de Pacific Rim, Guillermo del Toro contó, en repetidas ocasiones, lo complicado que es levantar un proyecto en México de la nada y se refería a La Delgada Línea Amarilla, una pequeña película de Celso García, que del Toro produce junto a Bertha Navarro.
La Delgada Línea Amarilla, tragicomedia, cuenta la historia de cinco hombres que son contratados para pintar una línea amarilla sobre una pequeña carretera que conecta a dos pueblos, con 200kms de distancia, Joaquín Cosío, Silverio Palacios, Gustavo Sánchez Parra y Diego Cataño forman parte del relato. No sorprende que Comex haya otorgado más de dos millones de pesos para su realización, esa línea amarilla puede que no sea tan delgada.

Un Monstruo de Mil Cabezas
Monto del Estímulo Otorgado: $11,195,848.81
Una pareja se enfrenta a un gran problema, el hombre está muy enfermo y su mujer busca que se le aplique un tratamiento recomendado medicamente, pero la aseguradora se rehusa a pagar. El planteamiento propuesto por la guionista Laura Santullo será llevado al cine de la mano de Santullo y su esposo, el director Rodrigo Plá, quienes ya han entregado en México cintas como La Zona, La Demora y Desierto Adentro.

El Tamaño si Importa
Monto del Estímulo Otorgado: $9,154,000.00
El nuevo proyecto de Rafa Lara, aquel que nos ha regalado joyitas como Labios Rojos y más recientemente Cinco de Mayo: la Batalla y al que curiosamente "siempre le juegan chueco" y por eso sus películas no funcionan sin importar la mala calidad y la pésima historia que, normalmente, siempre son características de su trabajo, ya tiene algo claro después de estar casi tres años enlatada.
La primera vez que supimos de El Tamaño si Importa, fue en 2011 cuando Eugenio Derbez manifestó su interés por el proyecto, según palabras del director. Desde entonces poco se había sabido de esta comedia sexual que, como su nombre lo indica, contará de como el tamaño si importa en muchas cosas de la vida; lo que sea que eso signifique.

Otras de las cintas apoyadas son Jeremías con 18,000,000.00 pesos, Restaurante con 17,000,000.00 pesos, Compadres con 16,400,000.00 pesos, La Habitación y En Contraluz ambas con 16,000,000 pesos, Rumbos Paralelos con 14,000,000 pesos y Gringo con 10,737,467.38 pesos. Mientras que los contribuyentes que más aportaron individualmente a una producción, fueron Banco Inbursa S.A., Institución de Banca Múltiple, Grupo Financiero Inbursa a Un Novio para Mi Mujer y Frabel S.A. de C.V. a A la Mala, con viente millones de pesos, seguidos por Oxxo Express S.A. de C.V. (Sí, la de las tiendas de cada esquina) con dieciocho millones de pesos a Jeremías, Promotora y Administradora de Carreteras S.A. de C.V. a Lo que nunca nos Dijimos con 17,699,481.14 pesos, Mexicana de Cobre S.A. de C.V. a Compadres con 16,400,000.00 pesos y Cyoinfra S.A. de C.V. a Los Crímenes del Mar del Norte con 13,049,286.99 pesos.

Ya están los presupuestos, ahora ¿La gente asistirá a las salas de cine a ver estas cintas?. Aún en nuestros tiempos es imposible saber que filmes mexicanos tendrán una cálida acogida en las salas de cine y que otras se perderán entre estrenos hollywoodenses y pésimas distribuciones, sin importar el dinero que esté detrás del producto. Los dos ejemplos más recientes de éxito y fracaso son Nosotros los Nobles, la película mexicana más taquillera de todos los tiempos, recaudó en taquilla más de 342 millones de pesos con solo 25 de presupuesto y Cinco de Mayo: la Batalla, que, a pesar de contar con una notable campaña mercadotécnica y 85 millones de pesos de inversión, solo logro recuperar poco más de 31 millones de pesos.

Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, les recuerdo que pueden seguir a este blog en @CinePlanetaBlog en Twitter y Cine Planeta en Facebook. Envíenme sus comentarios, dudas, sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com, @AndresOlasToro en Twitter y lean mis reseñas en mi blog. Los dejo con Reflektor, el nuevo sencillo de la banda Arcade Fire y cuyo video fue dirigido por Anton Corbijn, realizador de Control (2008) y los videos Personal Jesus de Depeche Mode, One de U2 y Viva la Vida de Coldplay. ¡Que tengan una semana llena de Cine!.

Napolitano 69: Los Nombres del FICM

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

La semana se dieron a conocer las películas seleccionadas para competir en las distintas categorías; largometraje mexicano, cortometraje mexicano, largometraje michoacano y cortometraje michoacano, en la onceava edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). Entre los directores que participan, se encuentran varios “sospechosos comunes” en el ámbito festivalero y unos cuantos más de los que pocos hemos escuchado pero que seguramente comenzaran a ser objetos de seguimiento. 

Fernando Eimbcke, presenta su tercer largometraje, siendo la tercera vez que compite en el festival, pero la primera que lo hace en la selección oficial; ya que con Temporada de Patos y Lake Tahoe había participado en selecciones paralelas. Con Club Sandwich, Eimbcke narra la historia de Paloma, una madre treintañera que durante unas vacaciones se enfrenta al despertar sexual de su hijo Héctor; ahora la madre se ve obligada a aceptar el cambio de quien por muchos años fue, su hijo y su mejor amigo. El filme también se presentará durante la próxima edición del Festival de Cine de San Sebastián. 

La directora Mariana Chenillo presenta su segundo largometraje, Paraíso, durante el certamen siendo esta su primera competición, tras el éxito que involucró a 5 Días sin Nora, su ópera prima. En Paraíso, la otrora especialista en dirección de cine por el CCC, presenta una comedia romántica donde Ciudad Satélite, en los límites del Estado de México y el Distrito Federal, como escenario principal. 

El, hasta ahora poco conocido, Diego Quemada Diez fue una de las grandes sorpresas iberoamericanas durante la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, donde su película, La Jaula de Oro compitió en la selección Una Cierta Mirada y donde fueron reconocidos por el trabajo actoral del filme. La cinta filmada en México, cuenta la travesía de un grupo de tres inmigrantes guatemaltecos que cruzaran el país en busca de llegar a Estados Unidos. 

El nombre de Michel Franco no es ajeno a los festivales; con Daniel y Ana, su ópera prima, participo dentro de la Quincena de los Realizadores en 2009 del Festival de Cannes, además de ser parte de la Selección Oficial del Festival de Cine de San Sebastián. Después de Lucía, su segunda película Franco compitió en el Festival de San Sebastián, Londres, Chicago y Cannes; donde gana la Cámara de Oro de la sección Una Cierta Mirada. Ahora con su tercer largometraje, dirigida con Victoria Franco, A los Ojos, el realizador cuenta la historia de una familia en una de las zonas marginales de la Ciudad de México. Esta es su primera participación en Morelia. 

La carrera en festivales de Claudia Sainte-Luce, inicio en 2005 cuando, un año después de graduarse en Artes Audiovisuales en la Universidad de Guadalajara, compitió en el Rally Malayerba del Festival de Cine de Guanajuato, donde en 24 horas filmó su corto Muerte Anunciada, con el que ganó los premios del Público, a Mejor Actor y una mención del Jurado. Ahora, con su primer largometraje, Los Insólitos Peces Gatos, Sainte-Luce compite en el Festival de Morelia con una historia sobre dos mujeres internadas en un hospital, Claudia; la más joven llega después de enfrentar un severo caso de apendicitis, mientras que Martha, es una enferma terminal. Después de entablar una sólida relación, Claudia comienza a crear una conexión con cada uno de los hijos de Martha. 

Después de ganar la Cámara de Oro en el Festival de Cannes en 2010 con Año Bisiesto, Michael Rowe presenta el filme, Manto Acuífero, un drama filmado en Puebla y protagonizado por Sofía Macías, Tania Arredondo y Arnoldo Picazzo. El australiano, egresado del CCC y quien por mucho tiempo trabajo en el mundo editorial del Distrito Federal, compite por primera vez en Morelia con este trabajo. 

La edición número once del FICM se llevará a cabo del 18 al 27 de Octubre de este año, toda la información la podrán seguir aquí, en CinePlaneta.

Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, les recuerdo que pueden seguir a este blog en @CinePlanetaBlog. Envíenme sus comentarios, dudas y sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com y @AndresOlasToro en twitter. Los dejo con Carry You compuesta por Union J para el soundtrack de Kick Ass 2, uno de los estrenos de la semana, les recuerdo que pueden leer mis reseñas a estos estrenos en mi blog. ¡Que tengan una semana llena de cine!.