Napolitano 84: Del Indie a ese gran Blockbuster llamado Star Wars.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En los primeros meses del 2011, el joven y hasta ese momento desconocido cineasta Gareth Edwards vivía una época de ensueño. Con su primer largometraje como director, Edwards ya era comparado con figuras como James Cameron y Neill Blompkamp, además de recibir múltiples halagos y cosechar la nominación a Mejor Debut por un Director Británico en la entrega 64 de los BAFTA. Sin embargo, el reconocimiento que Monsters: Zona Infectada (Monsters, 2011) le generaría a Edwards no sólo lo llevaría a la ceremonia más importante del cine británico, de hecho gracias a aquel pequeño filme independiente el realizador se enfrentaría a un reptil gigante y a uno de sus más grandes sueños.

Graduado en 1996 de la Universidad de Artes Creativas en Farham, Edwards ingresó al mundo del entretenimiento discretamente trabajando como un ingeniero en efectos visuales para programas y documentales de la BBC. Después de debutar como director en un pequeño filme para televisión, el joven realizador inglés se sentía listo para llevar a la pantalla grande una idea que rondaba en su cabeza desde hace mucho tiempo y un desafío de 48 hrs parecía ser la oportunidad perfecta para darse a conocer. 

Era el año 2008 y la sexta edición del London International Festival of Science Fiction and Fantastic Film albergaba por primera ocasión el 48 Hour Film Challenge, donde los equipos participantes tenían dos días para producir un cortometraje de 3 a 5 minutos de duración sobre un tema en específico. Pasadas las cuarenta y ocho horas de concurso, los resultados eran dados a conocer: el equipo Rebel Alliance (Alianza Rebelde, nombre que se repetiría en el futuro) de Edwards ganaba el premio principal entre 87 equipos participantes. Con el cortometraje Factory Farmed el realizador no sólo debutaba como director de fotografía y editor, sino que establecía los primeros avances sobre el filme que lo impulsaría a Hollywood. 

Con siete personas en el crew y un presupuesto limitado, Edwards se internaría por tres semanas en México, Guatemala, Belice y Costa Rica para filmar su arriesgada ópera prima, algo que el propio realizador describiría como "una mezcla entre El Proyecto de la Bruja de Blair y La Guerra de los Mundos" que sería adaptada en el rodaje gracias al estreno de Cloverfield y Sector 9. Protagonizada por Scott McNairy y Whitney Able, quienes llegaron al proyecto por recomendación del productor de Vertigo Films y terminaron casándose meses después del lanzamiento del filme, Monsters contaba la historia de una pareja de americanos que deciden escapar de la zona de cuarentena (México, para ser más exactos) para llegar a su país de origen, que ahora ha sido tomado por una extraña raza de extraterrestres. 

Estrenada en South by Southwest, Monsters generó el ruido necesario para que el nombre de su responsable surgiera entre las columnas positivas de algunos críticos de los Estados Unidos y los estudios comenzaran a buscarlo. Meses más tarde del estreno del filme, Legendary Pictures confirmaría que Edwards era el nuevo director de Godzilla, el reboot que el estudio preparaba sobre el conocido personaje japonés. Estrenada en el 2014 y con el apoyo de la Warner Bros. Pictures, Godzilla impulsaría aún más al director que incluso antes del lanzamiento de su segundo filme, ya había firmado para su siguiente proyecto, uno que empezaría con una melodía compuesta por John Williams en los setenta. 

Edwards durante su cumpleaños 30º en una de las casas ocupadas como locación en A New Hope. Foto: Nerdist.com

En una galaxia muy, muy cercana...

"Star Wars es definitivamente la razón por la que quería ser cineasta. De hecho, Star Wars hizo que quisiera ir y estallar la Estrella de la Muerte y unirme a la Alianza Rebelde, pero cuando poco a poco aprendí que no había tal cosa y que todo era parte de una gran mentira llamada "una Película", pensé: bueno si no puedo ir y hacer esas cosas, entonces la segunda mejor opción es convertirme en un mentiroso y hacer esas películas que también contarían mentiras a los niños y ellos puedan odiarme tanto como yo odiaba a George Lucas.", escribió Edwards en el periódico The Guardian en Febrero del 2011, coincidiendo con el estreno inglés de su primer filme. 

La historia (y su talento) llevarían a Edwards a la mesa de negociaciones con Lucasfilms en el verano de 2014. Después de la confirmación de J.J. Abrams como director de la séptima entrega de Star Wars, la expansión del universo creado por George Lucas era decisión de Disney. Con Kathleen Kennedy (la mujer detrás de Steven Spielberg) en la producción, Gareth Edwards vería su nombre escrito en letras azules durante los créditos de Star Wars: Rogue One, la primera de una serie de películas que funcionarían como enlace entre La Venganza de los Sith y Una Nueva Esperanza. 

Escrita por Chris Weitz, basada en una idea del jefe creativo de Industrial Light and Magic, John Knoll; Star Wars: Rogue One contará la historia de un grupo de soldados rebeldes que intentan robar los planos de la Estrella de la Muerte para poder atacarla, antes de que el imperio los ataque a ellos. Con el arranque de la filmación previsto para este verano, Edwards habló sobre el filme durante la pasada edición del Star Wars Celebration: "Esperaba honestamente que lo odiara (El guión), estaba a la mitad de un rodaje y no quería tomar algo hasta seis meses después pero no fue el caso... no podría sentarme en el cine y saber que alguien más hizo este filme".

Durante la convención, el equipo creativo de ILM desarrolló un primer teaser del filme que será protagonizado por Felicity Jones y que podría tener a Riz Ahmed y Sam Claflin en sus créditos principales. Ocupando la voz de Alec Guinness como Obi Wan Kenobi, el pequeño avance mostraba a un par de naves del imperio volando sobre una selva donde a lo lejos se puede observar a la estrella de la muerte emergiendo en el horizonte. Al encenderse las luces del panel donde Edwards, Kennedy, Knoll, Kiri Hart y Pablo Hidalgo habían aparecido para hablar por primera vez del proyecto, la reacción fue unánime. La confianza de miles de warsies están depositada en Edwards. 

"Para mucha gente de mi edad, Star Wars: Una Nueva Esperanza era El clásico. Es exactamente la historia que quieres escuchar cuando eres un niño pequeño: donde puedes conseguir una arma y aprender de tus mayores y mentores: que está destinado a ser algo grandioso, que algún día va a ganar a la chica, matar al malo y salvar el universo. Ahora solo la veo cuando tengo que recordarme a mí mismo lo que quiero hacer con mi carrera. Cuando creces el mundo se hace más pequeño y repetitivo, pero Star Wars: Una Nueva Esperanza todavía se siente como magia para mí, como ese lugar enorme en el mundo que es tan épico que nunca podrás comprenderlo del todo, donde hay mucho que hacer y todo es emocionante. Cualquier cosa que ayude a crear ese sentimiento de maravilla que tenía cuando era niño no lo quiero ocupar todo a la vez porque no quiero que esa magia se agote" escribía un emocionado Edwards en un artículo que oportunamente se titulaba "La película que cambió mi vida". Star Wars cambió la vida de un pequeño Gareth Edwards, es momento de que el prometedor director en el que se convirtió ese niño, le devuelva el favor a la saga. 

Napolitano 83: ¿Necesitamos las Diosas de Plata?

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Era 1961. Habían pasado diecinueve años desde que el poeta, escritor y curiosamente crítico de cine Efraín Huerta había creado la asociación Periodistas Cinematográficos de México A.C. (PECIME) y parecía que tal organización no avanzaba hacia ningún lugar en específico. Sin embargo, en esa primavera del sesenta y uno, el PECIME recibiría de manos del periodista Benjamín Ortega (papá de Guillermo Ortega) el único símbolo que en el tercer lustro del siglo XXI la asociación conservaría y explotaría: la Diosa de Plata.

Desde su primera entrega en la ahora desaparecida revista México Cinema, la Diosa de Plata se había autodefinido como "el más alto honor al que se podía aspirar en la cinematografía nacional". ¿La razón?, cuatro años antes había desaparecido (momentáneamente) la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas (AMACC) que entregaba el Ariel. Con un discurso a favor de estimular al "inagotable talento que cada vez se multiplica en el país", las Diosas de Plata rápidamente se convirtieron en un premio inútil.

Así como los Arieles (que premia a lo "mejor" del cine), los Oye (que premia a lo "mejor" de la música), los APT / ACPT (que premian a lo "mejor" del teatro) y los TVyNovelas (que premia a lo que Televisa quiere premiar en su propia empresa), las Diosas de Plata no tienen una importancia verdadera en México. No generan competencia, no mejoran los ingresos de las películas nominadas (de hecho al momento del anuncio de las nominaciones todas las cintas en competencia ya habían salido de cartelera) y muchas veces no reconocen a quienes deberían de reconocer, siendo influenciados en la mayoría de las ocasiones por el poco impacto que tiene otorgarle una presea a un nombre importante.

Al igual que en los Globos de Oro (vaya lamentable comparación para los premios de la HFPA), las Diosas de Plata se han reducido a un premio segundón entregado por personas que tienen años que no escriben sobre cine. Así, la asociación de Periodistas Cinematográficos de México está presidida por un ex-reportero del periódico La Prensa, cuya última colaboración fue en junio de 1996 y que además tiene entre sus agremiados a colaboradores de periódicos desaparecidos (El Nacional, El Heraldo de México) y reporteros de televisión jubilados. Al parecer a la asociación no le molesta premiar a la nueva sangre en el cine nacional, pero si recibirla en sus filas.

Con diecinueve categorías, este año las innecesarias Diosas de Plata parece que acudieron a las agencias de relaciones públicas para consultar a sus nominados en lugar de a las salas de cine. Kate del Castillo, Adriana Louvier, Dulce María, Mar Contreras, Sandra Echeverría, Ludwika Paleta, Victor García, Andrés Bustamente, Rodrigo Virago, Erika de la Rosa, Mariana Seoane, Ana Brenda Contreras y Eiza González forman parte de la risible selección de nominados en los rubros de actuación, mientras que películas mediocres como Más Negro que la Noche, Cambio de Ruta, Cantinflas, La Hija de Moctezuma, Casi Treinta, ¿Qué le dijiste a Dios?, Canon, El Crimen del Cácaro Gumaro y Fachon Models fueron reconocidas en al menos una categoría.

Las Diosas de Plata se enfrentan este año a una de las tareas más difíciles que se les han presentado: justificar su existencia. Ya veremos en un par de meses si el Güiri Güiri se lleva su Diosa de Plata por aquel desastre donde interpretaba a un regente en la imaginaria Ciudad Güepez o si deciden sorprender y premiar a filmes como Obediencia Perfecta (Que encabeza las nominaciones con once menciones), Guten Tag Ramón o Güeros (que solo compite en Ópera Prima, premio que el año pasado ganó Eugenio Derbez por No se Aceptan Devoluciones). La moneda está en el aire.

Aquí se pueden consultar los nominados a las Diosas de Plata.

Napolitano 82: La "Verdad Sospechosa" de la nueva película de Luis Estrada.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En 1990, el escritor peruano y hoy Premio Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa declaró en un coloquio conducido por el también escritor Octavio Paz, que México era una dictadura perfecta: "La dictadura perfecta no es el comunismo. No es la URSS. No es Fidel Castro. La dictadura perfecta es México... tiene características de la dictadura: la permanencia, no de un hombre pero sí de un partido y de un partido que es inamovible". Después de su culposa reflexión dirigida al PRI y su hegemonía política en el país, Vargas Llosa sería expulsado y no podría regresar en poco más de una década, con el PAN en el poder y una vez superadas dos sucesiones presidenciales. 

De esa conversación y la famosa cita "La Dictadura Perfecta" se obtiene el título de la nueva película de Luis Estrada, cuyo estreno se encuentra parcialmente detenido. ¿La razón? una sospechosa historia que involucra a Televisa, productora del filme y principal agraviada por el mismo.

Escrita por Estrada y titulada originalmente como La Verdad Sospechosa, el filme sigue de cerca a un político de mediano renombre que, ayudado por la principal empresa televisiva del país ve impulsada su carrera hasta llegar a la Presidencia. Como todo favor se paga, al ahora presidente le corresponde ver y proteger los intereses de la televisora que lo llevó al poder e incluso le consiguió una nueva esposa.

Jugando con la idea que analistas como Denisse Dresser y Jenaro Villamil sostienen sobre el papel que jugó Televisa, la más importante cadena de televisión en el país, en las pasadas elecciones presidenciales y como la figura del actual presidente, Enrique Peña Nieto se vio favorecida mientras este era gobernador del Estado de México en gran parte gracias a la cobertura mediática que la empresa le brindó, Estrada realiza una sátira cómica sobre los medios y el poder en el país.

"No es que ataque a los medios, a las televisoras, simplemente los muestra como son, cómo se manejan, lo que ocurre. Es de cómo crean culpables o cómo alaban a la gente culpable y la hacen inocente; cómo tergiversas las noticias y están al servicio y unión de los poderes fácticos" declaraba Damián Alcazar, protagonista de la cinta en Marzo, al mismo tiempo que se anunciaba que la ahora titulada La Dictadura Perfecta llegaría a las salas de cine en el verano, cosa que no pasó.

Más allá del tema de la censura que el filme podría estar sufriendo en manos de la Presidencia de la República o RTC de la Secretaría de Gobernación, cosa que no sería nueva para una película de Luis Estrada recordando específicamente el extraño estreno de su exitosa cinta La Ley de Herodes en una difícil temporada electoral, la respuesta ante el atraso indefinido del último proyecto del también director de El Infierno recae directamente en Televisa, productora y distribuidora del filme.

En una curiosa movida Televisa decidió apoyar en la producción, junto al Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y Bandidos Films, de la cinta que tiene a Joaquín Cosío, Alfonso Herrera, Dagoberto Gama y María Rojo en los créditos principales y además brindarle, por medio de la distribuidora Videocine, el estreno correspondiente. Sin embargo al ver el producto terminado, la empresa propiedad de Emilio Azcárraga Jean enlató el proyecto al ver afectados a priori su imagen e intereses. Al ser prácticamente dueña de la película, Televisa se encuentra en su derecho de no proyectar el filme, eso sin evitar que la acción los deje como los malos, dentro y fuera de la pantalla.

Videocine no frena en la comercialización de cintas mexicanas de gran impacto. Tras el éxito obtenido con filmes como No se Aceptan Devoluciones, ¿Qué le Dijiste a Dios? y Cásese Quien Pueda, la compañía ha obtenido los derechos de prometedoras cintas como el remake en 3D de la clásica película de Carlos Enrique Taboada, Más Negro que la Noche, Cantinflas de Sebastián del Olmo y Visitantes, cinta de terror protagonizada por Kate del Castillo y Raúl Méndez.

Parece que se tendrá que esperar, por lo menos al próximo año, periodo electoral en algunos estados de la nación, para poder ver en pantalla el escandaloso proyecto de Estrada, aunque puede que para ese entonces ya hayamos vivido en carne propia muchas de las escenas que ahí se ofrecen.

Napolitano 81: Al Frente y detrás de la cámara.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Este fin de semana hubo un trío de estrenos interesantes en la cartelera mexicana y los tres son dirigidos por alguien cuyo papel en el cine comúnmente era frente a las cámaras. Se trata de Jersey Boys: Persiguiendo la Música (Jersey Boys) el más reciente trabajo de Clint Eastwood basado en el conocido musical de Broadway sobre el grupo de rock The Four Seasons, Casi un Gigolo (Fading Gigolo) el tercer filme como realizador de John Turturro con su amigo Woody Allen como protagonista y Pánico 5 Bravo, la tibia ópera prima de Kuno Becker.

La costumbre de que algunos histriones cambien de lugar en la realización de un filme no es nueva y cada vez es más común; tan solo en el pasado Festival de Cannes, The Homesman de Tommy Lee Jones, Los Incomprendidos (L'Incomprise) de Asia Argento, La Habitación Azul (La Chambre Bleu) de Mathieu Almaric, Río Perdido (Lost River) de Ryan Gosling y la ganadora del premio del Jurado, Mamá (Mommy) de Xavier Dolan, se presentaron en ambas secciones del certamen con el común denominador de que sus realizadores iniciaron su carrera como actores.

Desde Charles Chaplin hasta Ben Stiller, los trabajos de los antes actores ahora convertidos en directores siempre es de llamar la atención, en especial en la temporada de premios. En los últimos 50 años, nueve actores han ganado el Oscar a Mejor Director: Woody Allen en 1978 por Annie Hall, Robert Redford en 1981 por Gente como Uno (Ordinary People), Warren Beatty en 1982 por Rojos (Reds), Sydney Pollack en 1985 por África Mía (Out of Africa), Barry Levinson en 1988 por Cuando los Hermanos se Encuentran (Rain Man), Kevin Costner en 1990 por Danza con Lobos (Dance with Wolves), Clint Eastwood en 1992 y 2004 por Los Imperdonables (Unforgiven) y Golpes del Destino (Million Dollar Baby), Mel Gibson en 1995 por Corazón Valiente (Braveheart) y Ron Howard en 2001 por Una Mente Brillante (A Beautiful Mind). Este año, Angelina Jolie podría unirse a esa lista por su película Inquebrantable (Unbroken) sobre un medallista olímpico que durante la segunda guerra mundial es apresado por el ejercito japonés.

Otros casos incluyen a Jon Favrau ahora en cartelera con su cinta Chef a Domicilio (Chef), Rob Reiner director de Cuando Harry conoció a Sally (When Harry met Sally) y Miseria (Misery) basada en la novela de Stephen King, Sarah Polley quien en 2005 llevó a Julie Christie por una nominación al Oscar con Lejos de Ella (Away from Her), John Cassavetes actor en El Bebe de Rosemary (Rosemary's Baby) y director de Opening Night, Thomas McCarthy director de Ganar Ganar (Win Win), George Clooney nominado al Oscar por Buenas Noches, Buena Suerte (Good Night and Good Luck), Robert DeNiro con dos filmes como realizador, Drew Barrymore dirigiendo a Ellen Page en Chicas sin Freno (Whip It!), Sean Penn ganador de Oscars como actor y cuyo último trabajo como director llegó en 2007 con Into the Wild, James Franco entrando a las escenas eliminadas de una película protagonizada originalmente por Al Pacino en Interior Leather Bar, Seth Rogen filmando un divertido apocalípsis en Este es el Fin (This is the End) y Ben Affleck que con tres cintas incluyendo a la ganadora del Oscar como Mejor Película, Argo se ha ganado el respeto de la industria.

En México, también han existido esos casos. Antes de incursionar en la dirección en 1942 con La Isla de la Pasión, Emilio "El Indio" Fernández ya figuraba en los créditos de varias cintas como actor. Los charolastras Gael García Bernal y Diego Luna también han entrado en el mundo de la dirección, García Bernal iniciando en 2007 con Déficit y Luna en ese mismo año con el documental JC Chavez. Después de trabajar como actor en novelas y programas de TV Azteca, Mauricio T. Valle escribió y dirigió Sobre Ella, una interesante cinta sobre un grupo de amigos que un suceso inesperado pone aprueba el verdadero significado de su amistad. Actualmente Valle prepara su segunda película, Dariela los Martes donde además de participar como director y guionista también da vida a Rodrigo, el personaje principal de la cinta.

Pero ¿Qué tal lo hacen? Curiosamente muchas de las veces su trabajo es destacable, incluso de podría decir que aprendieron de los mejores, por ejemplo Sofia Coppola quien tuvo un gran debut en la dirección con Las Vírgenes Suicidas (The Suicide Virgins) creció viendo a su papá, Francis Ford Coppola, dirigiendo la trilogía de El Padrino (The Godfather) donde incluso participó como actriz en la última entrega. El hecho es que seguiremos viendo a actores pasarse al banquillo de director en algunos casos haciendo de sus cintas un ejercicio interesante y que merece que les sigamos la pista ahora en ambos roles. 

Napolitano 80: México siempre Fiel

El impacto que han tenido cintas como Noé, El Hijo de Dios o el discreto, pero meritorio, desempeño en taquilla que tuvo Dios no ha Muerto, no debería ser una sorpresa en un país con más de 92 millones de católicos registrados. En varios aspectos, la religión es un factor que mueve masas y en el cine, el público mexicano demuestra que, como en una de sus visitas lo dijo el ahora santo Juan Pablo II, México siempre ha sido fiel.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

La temporada más importante de estrenos cinematográficos inicia cada vez más temprano. Desde mediados de Abril, grandes producciones abarrotan las salas, cintas con más de 1000 copias en diferentes formatos encabezan los conteos que semana a semana realiza la empresa Rentrak México para la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica y del Videograma (CANACINE). 

El Sorprendente Hombre Araña 2: La Amenaza de Electro (The Amazing Spider Man 2), Rio 2, Capitán América y el Soldado del Invierno (Captain America: The Winter Soldier) y Divergente (Divergent) lideran el top 10 de recaudación en el país sin mayor sorpresas, el público mexicano siempre ha sido gran seguidor de las franquicias basadas en cómics en especial si esta es protagonizada por un chico con poderes arácnidos, las películas animadas apoyadas por las grandes distribuidoras gozan de buenas entradas y las nuevas sagas literarias adaptadas al cine también son un plato fuerte dentro de las preferencias de los consumidores de cine mexicanos. 

Sin embargo las principales sorpresas recaerían en los puestos cinco, siete y ocho del conteo con resultados favorecedores: Hijo de Dios (Son of God), Noé (Noah) y Dios no ha Muerto (God's not Dead), las tres con temática religiosa y las tres con más de una semana en cartelera. 

Con pocos comentarios positivos pero un fuerte impulso, motivado por la recién terminada Semana de Pascua, Hijo de Dios, que cuenta la historia de Jesucristo en diferentes momentos de su vida, se ubicó en quinto lugar de la taquilla con ganancias de nueve millones de pesos, sumando así treinta y ocho millones de pesos con ochocientos cuarenta y ocho mil espectadores. Números lejanos al séptimo lugar en taquilla, Noé de Darren Aronofsky que mantiene su buen paso por la cartelera mexicana. En cinco semanas, la cinta, que tuvo su premiere mundial aquí, ha recaudado doscientos tres millones de pesos con más de cuatro millones de espectadores. Noé es la primera de varias cintas bíblicas que Hollywood tiene bajo el brazo, Exodus: Gods and Kings de Ridley Scott y Left Behind con Nicolas Cage a la cabeza del proyecto, esperan encontrar la misma suerte que el filme de Aronofsky.

El caso de Dios no ha Muerto es increíble. Después de un sorpresivo debut en la taquilla americana donde en un solo fin de semana recaudó cuatro veces y medio su costo total, (más de nueve millones de dólares en taquilla frente a los dos millones de presupuesto), era obvio que el filme obtendría distribución internacional. Una de sus primeras paradas fue en México donde la distribuidora CanZion Films, especializada en la venta de películas con temática cristiana, se hizo cargo del filme, con un estreno discreto pero efectivo. Sin ningún apoyo comercial o publicitario pero con el boca en boca en diferentes templos religiosos, el filme que cuenta la historia de un joven universitario cristiano que inicia una revolución ideológica contra un profesor cuya línea de enseñanza se basa en la muerte de un ser supremo o Dios, ha recaudado al momento cuatro millones de pesos con ochenta y un mil espectadores. 

Es cierto que los resultados de este trío de cintas se ve altamente influenciado por la Semana Santa y las vacaciones que acompañan a esta celebración católica, sin embargo también es cierto que en México, el cine religioso obtiene siempre buenos resultados. Por ejemplo, La Pasión de Cristo (The Passion of the Christ) recaudó más de doscientos millones de pesos a pesar de contar con la clasificación C. Ese año la cinta de Mel Gibson se ubicó por arriba Los Increíbles (The Increibles), Troya (Troy) y Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (Harry Potter and the Prisioner of Azkaban).

Censura y Golpes de Pecho con Palomitas y Refresco grandes.

Durante el sexenio del presidente Vicente Fox, dos cintas causaron controversia gracias a su contenido religioso: El Crimen del Padre Amaro de Carlos Carrera y la misma La Pasión de Cristo. La primera, ante su trama que contaba la historia de un padre que se enamora de una joven, y la segunda ante el alto grado de violencia que presentaba.

La cinta de Carrera protagonizada por Gael García Bernal y Ana Claudia Talancón, obtuvo apoyo económico por parte del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA) y el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), por lo que antes de su estreno, fue presentada a grupos religiosos. La respuesta por parte de esos grupos fue unánime, sin embargo fue la organización Pro-Vida encabezada por Jorge Serrano Limón quien llevó todo a otro nivel, presentando denuncias contra la directora de CONACULTA, Sari Bermudez, el director de IMCINE, Alfredo Joskowicz y el Secretario de Gobernación, Santiago Creel. La polémica no evitó que la cinta obtuviera buenos resultados en taquilla, con resultados superiores a los doscientos millones de pesos demostrando una vez más que, no existe la mala publicidad, así sea realizada por grupos afuera del cine entregando volantes que versaban "La Iglesia Católica es más que la película".

Twentieth Century Fox solicitó en marzo del 2004, a la dirección de Radio Televisión y Cinematografía (RTC) de la Secretaria de Gobernación dos evaluaciones a la película La Pasión de Cristo por considerar que la clasificación otorgada, C, había sido injustificada. Héctor Villareal, director de RTC, aceptó las solicitudes, sin embargo la clasificación no cambió, lo cual justificó gracias a las "imágenes frecuentes de violencia detallada, cruel en contra de una persona y eso la hace encuadrar en lo que se prevé en el marco normativo para la clasificación C". El filme se estrenó con esa clasificación y los rumores de menores ingresando a salas e incluso personas conmocionadas o con ataques médicos durante la proyección de la cinta, no impidieron que el filme tuviera una buena acogida comercial.

Las similitudes entre la apariencia de Juan Manuel Bernal y el fallecido sacerdote Marcial Maciel, fundador de la organización religiosa Los Legionarios de Cristo, en el filme Obediencia Perfecta no son una coincidencia. Basada en la novela de Ernesto Alcocer y filmada en una escuela católica al norte de la  Ciudad de México, la película dirigida por Luis Urquiza relata la historia de un niño que durante su estancia en un seminario es abusado por el sacerdote líder de la institución, asunto similar por el que Maciel fue retirado y denunciado en libros y artículos periodísticos. La cinta, cuya premiere fue estrategicamente realizada en Cinépolis Arcos Bosques por ser el cine preferido por los Legionarios de Cristo, no ha recibido tanta atención por parte de algunos medios masivos, especialmente por las dos grandes cadenas de televisión, a pesar de que es Prensa Danna de Danna Vázquez, posiblemente la agencia de relaciones públicas más importante del medio, quien ha llevado las actividades de prensa de la cinta, ofreciendo funciones especiales y entrevistas con el cast & crew. Los primeros comentarios sobre el filme ya han comenzado a salir, en espera del estreno de la película que con 400 copias será competencia directa de César Chávez, el otro estreno de la semana, producida y distribuida por Televisa Cine.

Napolitano 79: La Última Parada del Oscar; predicciones rumbo al 2 de Marzo.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Hasta ayer martes se podía votar para elegir a los ganadores del Óscar, hoy PricewaterhouseCoopers ya contabiliza los votos que los 6,028 miembros de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas (A.M.P.A.S., por sus siglas en inglés) enviaron por diez días a través de internet o correo ordinario, llegando así a la última parada rumbo a la ceremonia 86 de los premios de la Academia. 

El próximo 2 de Marzo, a lo largo de una transmisión televisada de casi tres horas, una cuarentena de actores presentaran a los ganadores en las 24 categorías que reconocen los premios. A cinco días del evento, la competencia esta dividida; en algunas el ganador se ha visto desde el principio de la carrera y en otras el nombre del triunfador está en el aire.

Estas son las predicciones rumbo al Oscar, los premios más importantes del cine americano.

Mejor Película

Ganará - 12 Años Esclavo (12 Years a Slave)

Podría Ganar - Gravedad (Gravity)

A estas alturas del partido es imposible negar la gran ventaja que la cinta de Steve McQueen tiene sobre las otras ocho competidoras. Ganadora del Globo de Oro, el BAFTA y el premio del Sindicato de Productores, 12 Años Esclavo es el enemigo a vencer dentro de una competencia que si bien tiene a su favorito, aún se encuentra muy reñida. El siguiente en los escalones es el filme de Alfonso Cuarón que goza del premio máximo del sindicato de productores y directores. Ante la costumbre de la Academia por inclinarse ante cintas más tradicionales, retratándose esto en los últimos años en los triunfos de El Discurso del Rey (The King's Speech) sobre Red Social (The Social Network) y El Artista (The Artist) frente a La Invención de Hugo Cabret (Hugo); el Oscar para el drama sobre la esclavitud está asegurado.

Mejor Director

Ganará - Alfonso Cuarón por Gravedad

Podría Ganar - Steve McQueen por 12 Años Esclavo

El domingo, Alfonso Cuarón se convertirá en el primer mexicano en ganar el Oscar a Mejor Director. En la competencia, Cuarón es el elemento más fuerte con el BAFTA, el Globo de Oro, el premio del Sindicato de Directores y más de 20 reconocimientos de la crítica solo en Estados Unidos. Las habilidades técnicas y el duro camino que significó llevar a la pantalla Gravedad serán reconocidos, a menos que la Academia quiera dar una sorpresa y premiar a Steve McQueen, para justificar el premio principal para 12 Años Esclavo o reconocer a Martin Scorsese por El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street), ambos escenarios poco probables.

Mejor Actor

Ganará - Matthew McConaughey por El Club de los Desahuciados (Dallas Buyers Club)

Podría Ganar - Chiwetel Ejiofor por 12 Años Esclavo

Matthew McConaughey le dio un nuevo impulso a su carrera desde hace un par de años y con su participación en El Club de los Desahuciados (Dallas Buyers Club) parece que llegará a ganar el premio más reconocido del cine norteamericano. Con una actuación correcta y un notable cambio en su apariencia, McConaughey, ganador del Globo de Oro y el SAG en la categoría fue tomando ventaja del antiguo favorito en el rubro, Chiwetel Ejiofor, el actor británico protagonista de 12 Años Esclavo. 

Mejor Actriz

Ganará - Cate Blanchett por Jazmín Azul (Blue Jasmine)

Podría Ganar - Sandra Bullock por Gravedad

Posiblemente la categoría de Mejor Actriz sea el premio más cantado de la noche. Cate Blanchett interpretando a una aristócrata venida a menos en el más reciente filme de Woody Allen, Jazmín Azul (Blue Jasmine) se llevará su segundo Oscar, el primero como Actriz principal. Con el Globo de Oro, el SAG y el BAFTA bajo el brazo, Blanchett se mantiene lejos de Sandra Bullock, Amy Adams, Meryl Streep y Judi Dench. 

Mejor Actor de Reparto

Ganará - Jared Leto por El Club de los Desahuciados

Podría Ganar - Michael Fassbender por 12 Años Esclavo

En su regreso al cine después de una pausa de 6 años, Jared Leto se convirtió en el favorito para recibir el premio en una categoría que, contrario al año pasado, muestra un obvio ganador desde el principio. Sin duda, Leto en su papel de un trasvesti enfermo de VIH en Dallas Buyers Club se impondrá frente a Michael Fassbender, quien ya debe estar acostumbrado al desprecio de la Academia, Jonah Hill, Barkhad Abdi, ganador del BAFTA ante la ausencia del filme de Leto y McConaughey y un sorpresivo Bradley Cooper. El también vocalista de la banda 30 Seconds to Mars, ya tiene en su poder el Globo de Oro y el SAG.

Mejor Actriz de Reparto

Ganará - Lupita Nyong'o por 12 Años Esclavo

Podría Ganar - Jennifer Lawrence por Escándalo Americano (American Hustle)

Posiblemente la categoría más reñida de la noche, la carrera hacía el Oscar a Mejor Actriz de Reparto no tiene una favorita clara, ni siquiera por un corto margen. Lupita Nyong'o, la actriz keniana revelación del año y Jennifer Lawrence, la joven estrella de la clase A del cine americano se miden en busca del galardón. Nyong'o tiene en su poder el SAG, mientras que Lawrence ganó el Globo de Oro y el BAFTA; lejos quedan Sally Hawkins, June Squibb y Julia Roberts en la competencia. Será una de estas dos actrices quien se lleve el premio, Nyong'o triunfando por la película que se visualiza como la ganadora al Oscar principal o Lawrence, la estrella ya consolidada que se convertiría en la mujer más joven en recibir dos premios Oscar consecutivos. Será una noche interesante. 

Mejor Guión Original

Ganará - Ella (Her)

Podría Ganar - Escándalo Americano

Spike Jonze, uno de los directores contemporáneos más interesantes del cine americano enfrenta este domingo tres nominaciones al Oscar siendo en la categoría de Mejor Guión Original, su oportunidad más fuerte de al fin hacerse de la estatuilla dorada tras perder en 2000 su primera nominación como Mejor Director por ¿Quieres ser John Malkovich? (Being John Malkovich). Un hombre se enamora del sistema operativo de su dispositivo móvil en una de las historias más encantadoras del pasado año, Ella compite frente a Jazmín Azul, Dallas Buyers Club, Nebraska y su más cercano peligro; Escándalo Americano quien al tener mayor número de candidaturas podría encontrar en Mejor Guión Original un inmerecido reconocimiento. 

Mejor Guión Adaptado

Ganará - 12 Años Esclavo 

Podría Ganar - El Lobo de Wall Street

Una de las categorías que sirven para justificar el premio a Mejor Película suele ser Mejor Guión Adaptado y en este año parece que no será la excepción. El trabajo de John Ridley en la adaptación del libro de Solomon Northup podría ser el alma de la cinta de McQueen y sin duda debería ser quien gane el premio. La estremecedora situación de un hombre que después de conocer la libertad es vendido y esclavizado toca fibras muy sensibles de la sociedad y la historia americana, cosa que es del agrado de la Academia. Lejos queda el excelente trabajo de Terrence Winter al ponerle sentido a las memorias de Jordan Belfort en El Lobo de Wall Street y el emocionante trabajo de Billy Ray en Capitán Phillips. Steve Coogan y Jeff Pope con Philomena son los elementos más tibios en la categoría donde también figura Antes de la Medianoche (Before Midnight), escrita por Richard Linklater, Julie Delpy y Ethan Hawke, un trabajo que en otro año sería la gran ganadora.

Mejor Película Animada

Ganará - Frozen: Una Aventura Congelada (Frozen)

Podría Ganar - Se Levanta el Viento (The Wind Rises)

Ganadora del BAFTA, el Globo de Oro y reconocida ampliamente en los Annie Awards que entrega el sindicato de animadores, Frozen de Disney es el enemigo a vencer en la categoría de Película Animada donde se nota la ausencia de Monsters University, carta fuerte de los estudios Pixar, máximos ganadores en la historia de la terna. Sin embargo, las princesas Elsa y Anna y el muñeco de Nieve Olaf podrían ver su camino al podio interrumpido por Se Levanta el Viento (The Wind Rises) de Hayao Miyazaki en una situación que simularía lo sucedido en 2003, cuando El Viaje de Chihiro triunfó sobre La Era de Hielo, Spirit, Lilo & Stich y El Planeta del Tesoro, estas últimas dos del gigante de la animación, Disney.

Mejor Película Extranjera

Ganará - La Gran Belleza (La Grande Bellezza) de Italia

Podría Ganar - La Caza (The Hunt) de Dinamarca

El 14vo Oscar en la historia de los premios recibido a una película italiana en la categoría de Mejor Película Extranjera quedaría en las manos del director Paolo Sorrentino, quien por la cinta La Grande Belleza se alzaría frente a la ausencia de la francesa La Vida de Adéle y las nominaciones de The Broken Circle Breakdown de Bélgica, Omar de Palesina, The Missing Picture de Camboya y La Caza (The Hunt) de Dinamarca, quién podría ser quien impida el triunfo en la nominación 30 de Italia.

Mejor Canción Original

Ganará - Let it Go de Frozen

Podría Ganar - Ordinary Love de Mandela Long Walk to Freedom

En los últimos treinta años, nueve cintas animadas se han alzado con el premio a Mejor Canción Original, de esas nueve, ocho han sido cintas producidas por Disney. Let it Go, compuesta por Kristen Anderson y Robert Lopez es la gran favorita, pero que aún no puede cantar victoria del todo ya que en su paso se encuentran la melancólica canción The Moon Song de la película Ella, el homenaje a Nelson Mandela que ofrece U2 en el tema Ordinary Love de Mandela: Long Walk to Freedom y el bastión de la figura del mainstream Pharrell Williams, Happy de Mi Villano Favorito 2. Cualquiera que gane encontraría un premio merecido, sin embargo la composición de Frozen tiene las de ganar.

Mejor Documental

Ganará - El Acto de Matar (The Act of Killing)

Podría Ganar - A 20 pasos de la Fama (20 Feet from Stardom)

El Acto de Matar, presentada en nuestro país dentro de la gira Ambulante, es la favorita para ganar el Oscar a Mejor Documental gracias a su revolucionaria forma de contar una fatalista historia desde los ojos de los vencedores. Joshua Oppenheimer presenta en el filme, a una serie de asesinos que convencidos del protagonismo en una película inexistente, recrean los sangrientos crímenes que cometieron. Muy cerca de The Act of Killing se encuentra 20 Feet from Stardom, un encantador ejercicio sobre coristas desconocidos que, siguiendo la tradición que impondría Buscando a Sugar Man (Searching for Sugar Man) ganaría en una categoría que premiaría a una historia sobre músicos desconocidos.

Mejor Música Original

Ganará - Gravedad

Podría Ganar - Ella

Mejor Fotografía

Ganará - Gravedad

Podría Ganar - Intriga (Prisoners)

Mejor Edición 

Ganará - Capitán Phillips (Captain Phillips)

Podría Ganar - Gravedad

Mejor Diseño de Arte

Ganará - Gravedad

Podría Ganar - El Gran Gatsby

Mejor Vestuario

Ganará - El Gran Gatsby (The Great Gatsby)

Podría Ganar - 12 Años Esclavo

Mejor Maquillaje

Ganará - El Club de los Desahuciados

Podría Ganar - El Abuelo Sinvergüenza (Bad Grandpa)

Mejores Efectos Visuales

Ganará - Gravedad

Podría Ganar - El Hobbit: La Desolación de Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug)

Mejor Sonido

Ganará - Gravedad

Podría Ganar - Captain Phillips (Captain Phillips)

Mejor Edición de Sonido

Ganará - Gravedad

Podría Ganar - El Hobbit: La Desolación de Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug))

Napolitano 78: Nominated yet not Nominated o cómo la Academia premió, protegió y perjudicó a uno de los suyos.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Es la mañana del jueves 16 de Enero. Decenas de periodistas, agentes de relaciones públicas y gente del medio del entretenimiento se han reunido en uno de los salones principales del edificio administrativo de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood (A.M.P.A.S. por sus siglas en inglés). Frente a ellos, la presidenta de la Academia, Cheryl Issacs Boone y el actor Chris Hemsworth dictan los nominados a la edición 86 de los premios Oscar. Esa mañana varias sorpresas arrojaron las nominaciones, entre ellas la presencia de un pequeño tema musical entre las seleccionadas para competir en la categoría de Mejor Canción Original.

Alone yet not Alone, compuesta por Bruce Broughton y Dennis Spiegel para la película del mismo nombre, formaba parte del quinteto nominado al Oscar en la categoría que premia a las mejores canciones compuestas especialmente para una cinta. Ordinary Love de U2 para Mandela: Long Walk to Freedom, Happy de Pharrell Williams para Mi Villano Favorito 2 (Despicable Me 2), The Moon Song de Karen O y Spike Jonze para Ella (Her) y Let it Go para Frozen: Una Aventura Congelada (Frozen) conformaban las cinco elegibles hasta el pasado miércoles, cuando la Academia decidió descalificar al poco conocido tema, al argumentar que Broughton había ocupado su posición como antiguo miembro de la junta de gobernadores de la Academia para impulsar la nominación.

De acuerdo a un comunicado firmado por Isaacs Boone, que presenta su primer inconveniente desde que fue elegida presidenta en Enero del 2013, Broughton había enviado mails a por lo menos 70 de los 240 votantes de la rama musical, destacando al tema interpretado por la religiosa tetraplejica Joni Eareckson Tada de entre los 75 pre-seleccionados en la categoría. Según Isaacs Boone esto "aprovechaba su condición para promocionar personalmente su propia candidatura al Oscar... creando la aparición de una ventaja injusta".

Si bien, esta no es la primera vez que la Academia toma cartas en el asunto cuando alguno de los nominados decide contactar a los votantes, recordando la eliminación de la nominación al productor Nicolar Chartier, quien en Febrero del 2010 enviaría masivamente correos en los que suplicaba que se votara por la cinta Zona de Miedo (The Hurt Locker) que después ganaría el Oscar como Mejor Película, la campaña contra Alone yet not Alone, ya había dado sus primeros brotes anteriormente.

Según The Hollywood Reporter, la producción de una de las cintas que competía por lograr una nominación en la categoría de Canción, se había puesto en contacto con representantes de la Academia para discutir como el drama evangelista había roto con la 2da regla de la Academia para poder optar por un Oscar. De acuerdo a los estatutos, una producción debe haber gozado de publicidad durante su tiempo en cartelera en Los Angeles para poder competir en los premios. 

La investigación organizada por una agencia de relaciones públicas había demostrado que en la semana correspondiente del 15 al 22 de Noviembre del año pasado, único tiempo de exhibición de la película en el condado de Los Angeles, no se habían comprado anuncios ni menciones para promocionar la cinta, violando obviamente la regla número 2. La Academia arropó a Broughton y su pequeño trabajo argumentando que la película había sido publicitada en el cine Leammle Town Center 5 durante su semana de exhibición, suficiente para ellos.

El cobijo hacía Alone yet not Alone no duraría mucho y después de su descalificación solo quedarían las palabras de Broughton "Me deje llevar por la campaña más simple y básica y se volvió contra mí, cuando la canción empezó a recibir atención. Me ha desarmado una competición que cuenta con meses de promoción a sus espaldas.. Estoy destrozado". El tema no salió del todo perjudicado, el tema ya cuenta con más de 655 mil reproducciones en YouTube, superando a las casi 700 que contaba antes de ser nominada al Oscar, demostrando que no existe la mala publicidad. Cuando la película  estrenó, duró 21 días en cartelera en Estados Unidos, exhibiéndose en 11 cines y recaudando 133,546 dólares. Después de su reconocimiento en los Oscars tenía un reestreno programado para el 21 de Febrero, dos semanas antes de la entrega de premios, al momento no se ha informado si este se cancelará. 

El curioso caso de como una canción se convierte en la tercera descalificación de una nominada al Oscar en la historia, es solo una muestra de como los responsables de la entrega de premios más importante en la industria del cine pueden voltear a otro lado, proteger y en su debido caso castigar a su gusto para conveniencia de la ceremonia o la propia Academia.

Napolitano 77: Martin Scorsese y el futuro brillante del Cine

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Se puede hablar mucho sobre Martin Scorsese, sobre su carrera, sus colaboradores frecuentes, sus usuales referencias a westerns, sus cameos e incluso la forma en la que la Academia decidió premiarlo con el Oscar a Mejor Director después de cinco nominaciones en la categoría. Sin embargo el Scorsese que ahora nos atiende es el Martin paternal.

El director, que en 1967 dirigiría su primer largometraje ¿Quién toca a mi puerta? (Who's that knocking at my door?), ha estado, últimamente, muy apegado a su figura como padre. En el documental One Direction: This is Us, Scorsese aparece brevemente con su hija Francesca, en los camerinos de la banda para confesarse fan; "yo le muestro cosas a mi hija y ella me enseña unas cuantas". A la relación con la más pequeña de sus tres hijas, se le puede deber el interés del realizador en crear una película familiar; que finalmente sería La Invención de Hugo Cabret (Hugo) y una emotiva carta publicada en el diario L'Espresso, donde Scorsese imagina el futuro del cine.

"Te escribo esta carta para hablarte del futuro. Lo veo a través de la lente de mi mundo. A través de la lente del cine, que ha estado en el centro de ese mundo. Durante los úlitmos años me he dado cuenta de que la idea del cine con la que crecí, se acerca al final. No me refiero a las películas que ya se han escrito. Me refiero a las que están por venir. No quiero causarte inquietud. No escribo estas palabras con espíritu derrotista. Al contrario, creo que el futuro es brillante."

Comienza Scorsese que sin el menor ánimo derrotista, detalla en una carta de dos cuartillas, el final del cine en el que él comenzó y el cine que ahora viene en un futuro que el realizador describe como brillante.

"Siempre supimos que las películas eran un negocio y que el arte del cine es posible al haberse alineado con las condiciones económicas... También sabíamos que quizás tendríamos que atravesar períodos difíciles y supongo que, a cierto nivel, nos dimos cuenta de que tendríamos que enfrentarnos a un momento en el que cada elemento impredecible en el proceso de hacer películas acabaría minimizado, casi incluso eliminado. ¿Y cuál es el elemento más impredecible de todos? El cine y la gente que lo hace."

Antes de continuar con el esquema que se ha pintado de frente al cine del futuro, Scorsese se da tiempo de agradecer el trabajo de directores como Wes Anderson, Richard Linklater, David Fincher, James Gray, Alexander Payne, Joel & Ethan Coen y Paul Thomas Anderson, del último reconociendo su labor al rodar The Master: Todo un Hombre Necesita un Guía (The Master) en 70mm y conseguir exhibirla de esta forma en algunas ciudades haciendo que "cualquiera que se preocupe por el cine, debería mostrarse agradecido."

El director, nada ajeno a los adelantos que el cine ha tenido, se muestra positivo ante la obvia bifurcación a la que se enfrenta el entretenimiento audiovisual y el cine; y los nuevos métodos de presentación de las películas ya que "en el futuro, probablemente cada vez menos de lo que reconocemos como cine en las salas y más y más de él en pequeños cines, en internet y en espacios y circunstancias que no puedo predecir".

Pero ¿Por qué Scorsese dice que el futuro del cine es Brillante?. El realizador atribuye el afortunado presagio a la facilidad, que en la actualidad, involucra hacer cintas por muy poco dinero.

"¿Por qué el futuro es tan brillante? Porque por primera vez en la historia de esta forma de arte, se pueden hacer películas por muy poco dinero. Algo absolutamente insondable cuando yo crecía y las películas de presupuesto extremadamente bajo siempre han sido la excepción, en lugar de la regla. Ahora es al revés, puedes crear hermosas imágenes con cámaras que te puedes permitir. Puedes grabar sonido, puedes montar, mezclar y hacer corrección de color desde tu casa. Todo eso ahora es posible".

El director también menciona en su carta "la atención que se está depositando en la maquinaria de la creación de películas y en los avances que nos han llevado a una revolución cinematográfica, hay que recordar una cosa importante: las herramientas no hacen la película; la haces tú" y precisamente Scorsese es un buen ejemplo de como sin importar las herramientas, es trabajo del realizador convertir al producto en algo auténtico.

Con La Invención de Hugo Cabret, el director neoyorquino entró al terreno de la tercera dimensión con buenos resultados y con su más reciente trabajo, El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street), Scorsese se enfrenta a trabajar en formato digital, en lugar del tradicional formato en 35 milímetros.

La película, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Jonah Hill y Matthew McConaughey, cuenta la historia de Jordan Belfort, un defraudador de Wall Street en la última parte de la década de los ochenta. En la cinta reconocemos una cara conocida de Martin Scorsese, el director que no tiene miedo de mostrar nada, siempre y cuando sea lo necesario para la película. En The Wolf of Wall Street, hay desnudos, hay escenas de drogas, sexo, groserías y demás, pero también tiene un trasfondo interesante, la codicia que vive en cada uno de nosotros; por más buenos que pensemos que somos. Un Scorsese que nos recuerda a aquel realizador que filmaba Buenos Muchachos (Godfellas) y Casino, que saca lo mejor de todos sus actores y convierte a la película en una experiencia sin igual. Bajo las órdenes de Scorsese y como un fuerte colaborador en la labor de "filmar" en formato digital trabaja el mexicano, Rodrigo Prieto, quien fotografía el filme con un buen contraste de colores.

A finales del año pasado Scorsese declaró que planeaba hacer sólo un par de películas más; "Tengo el deseo de hacer muchas más películas, pero a partir de ahora... ya tengo 71 años y sólo me quedan un par más... si es que puedo hacerlas". Si bien el comentario puede ser una señal de alarma entre todos los cinéfilos a los que Scorsese nos ha formado en pequeña o gran escala, aún queda mucho por ver.

Dentro de sus próximos proyectos se contemplan Silence, un drama sobre dos padres jesuitas perseguidos en el Japón del siglo XVII con Andrew Garfield y Ken Watanabe; y Sinatra, la muy sonada biopic sobre el legendario cantante y actor Frank Sinatra que ya cuenta con el guión de Billy Ray (Capitán Phillips, Los Juegos del Hambre). Después de esto, el futuro del realizador es aún incierto. De dirigir o no más películas, la labor de Scorsese estará hecha y su nombre grabado en la historia del cine, un lugar que él ayudó a pulir. Con la filmografía y enseñanzas de Marty en nuestro haber, el futuro del cine es brillante.

Los dejo con Gimme Shelter de The Rolling Stones, una de las canciones favoritas de Scorsese. El track, proveniente del disco Let It Bleed, se ha escuchado en Godfellas, Casino y The Departed. Cabe mencionar que Scorsese dirigió a la banda liderada por Mick Jagger en el concierto documental del 2008, Shine a Light. Abajo de esta columna, podrán leer integra la carta que el realizador le escribió a su hija Francesca, de 14 años de edad.

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Carta de Martin Scorsese a su hija Francesca

Querida Francesca.

Te escribo esta carta para hablarte del futuro. Lo veo a través de la lente de mi mundo. A través de la lente del cine, que ha estado en el centro de ese mundo. 

Durante los úlitmos años me he dado cuenta de que la idea del cine con la que crecí, la idea que reside en las películas que te he mostrado desde que eras niña y que estaba tan en boca de todos cuando comencé a rodar, se acerca al final. No me refiero a las películas que ya se han escrito. Me refiero a las que están por venir.

No quiero causarte inquietud. No escribo estas palabras con espíritu derrotista. Al contrario, creo que el futuro es brillante.

Siempre supimos que las películas eran un negocio y que el arte del cine es posible al haberse alineado con las condiciones económicas. Ninguno de nosotros, los que comenzamos en los años 60 y 70, nos hacíamos ilusiones en ese sentido. Sabíamos que tendríamos que trabajar duro para proteger lo que queríamos. También sabíamos que quizás tendríamos que atravesar períodos difíciles y supongo que, a cierto nivel, nos dimos cuenta de que tendríamos que enfrentarnos a un momento en el que cada elemento impredecible en el proceso de hacer películas acabaría minimizado, casi incluso eliminado. ¿Y cuál es el elemento más impredecible de todos? El cine y la gente que lo hace.

No quiero repetir lo que han dicho y escrito otros antes de mí, sobre los cambios en el negocio. Y me alienta la existencia de excepciones a la tendencia cinematográfica general: Wes Anderson, Richard Linklater, David Fincher, Alexander Payne, los hermanos Coen, James Gray y Paul Thomas Anderson están consiguiendo hacer sus películas, y Paul no solo consiguió rodar The Master (Todo Hombre Necesita un Guía, 2012) en 70mm, sino que consiguió exhibirla de esta forma en algunas ciudades. Cualquiera que se preocupe por el cine, debería mostrarse agradecido.

Me conmueven también los artistas que consiguen hacer sus películas en todo el mundo, en Francia, en Corea del Sur, en Reino Unido, en Japón, en África. Cada vez es más difícil, pero siguen haciendo películas.

No creo, sin embargo, que esté siendo pesimista cuando te digo que el arte del cine y del negocio de las películas se encuentran ahora en una encrucijada. El entretenimiento audiovisual y lo que conocemos como cine, imágenes en movimiento concebidas por individuos, parecen ir encaminados en direcciones diferentes. En el futuro, probablemente, verás cada vez menos de lo que reconocemos como cine en las salas y más y más de él en pequeños cines, online, y supongo, en espacios y circunstancias que no puedo predecir.

Entonces, ¿Por qué el futuro es tan brillante?. Porque por primera vez en la historia de esta forma de arte, se pueden hacer películas por muy poco dinero. Algo absolutamente insondable cuando yo crecía y las películas de presupuesto extremadamente bajo siempre han sido la excepción, en lugar de la regla. Ahora es al revés. Puedes crear hermosas imágenes con cámaras que te puedes permitir. Puedes grabar sonido. Puedes montar, mezclar y hacer corrección de color desde tu casa. Todo eso ahora es posible.

Pero con toda la atención que se está depositando en la maquinaria de la creación de películas y en los avances que nos han llevado a una revolución cinematográfica, hay que recordar una cosa importante: las herramientas no hacen la película, la haces tú. Es liberador tomar una cámara, empezar a rodar y juntarlo todo con Final Cut Pro. Pero hacer una película, la que tú necesitas hacer, es otra cosa y ahí no existen los atajos.

Si John Cassavetes, mi amigo y mentor, siguiera vivo hoy, estaría empleando con toda seguridad todo el equipo que hay disponible. Pero me diría lo mismo que me ha dicho siempre: tienes que estar absolutamente dedicado al trabajo, dar todo lo que puedas de tí mismo, y proteger la chispa de la conexión que te llevó a rodar la película en un primer momento. 

En el pasado, como las películas eran tan caras, las protegíamos contra el cansancio y los compromisos. En el futuro, tendrás que protegerla de otro factor adicional: la tentación de seguir la corriente y permitir que la película derive y naufrague. No es sólo una cuestión de cine. No hay atajos para nada. No digo que todo tenga que ser difícil. Sólo digo que la voz que te da la chispa, es tu propia voz; esa es la luz interior que dijeron los Quakers.

Esa eres tú. Esa es la verdad.

Con todo mi amor.

Papá.

Versión original en inglés en L'Espresso

Napolitano 76: Películas para el 2014

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Incia un nuevo año y con ello nuevas oportunidades de presentarnos frente a una pantalla grande junto a un grupo de extraños y sumergirnos en un nuevo mundo por dos horas (a veces más, a veces menos). Con este nuevo año, el cine tiene 51 oportunidades para sorprendernos, emocionarnos, conmovernos y divertirnos. Desde viejos conocidos hasta nuevas historias por conocer, el 2014 tiene preparados varios proyectos que ya ponen a algunos cinéfilos a marcar sus calendarios y apartar sus boletos.

Los primeros estrenos fuertes del año, por lo menos en México, siempre van relacionados a la confianza que tienen las distribuidoras en sus productos con miras a la temporada de premios. Prueba de ello es que El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street), Escándalo Americano (American Hustle), Balada de un Hombre Común (Inside Llewyn Davis), Ella (Her), La Vida de Adele (La Vie d' Adele), El Sueño de Walt Disney (Saving Mr. Banks) y 12 Años Esclavo (12 Years a Slave) se estrenen entre el 15 de Enero y el 21 de Febrero, fecha en que suceden los Globos de Oro, los SAG Awards, las nominaciones al Oscar y la ceremonia de entrega del mismo.

Ya entrado el año llegan los blockbusters y como ya es costumbre la mayoría de estos son secuelas, precuelas y reebots. La secuela sobre la guerra de los espartanos, 300: El Nacimiento de un Imperio (300: Rise of an Empire) y la segunda parte de la historia del Soldado convertido un súper héore, Steve Rogers, Capitán América y el soldado del Invierno (Captain America: The Winter Soldier) inician la cada vez más temprana temporada veraniega el 7 y 28 de Marzo, respectivamente.

Otros dos personajes salidos de los Comics también se presentarán en el cine este año, El Sorprendente Hombre Araña 2: La Amenaza de Electro (The Amazing Spider Man 2) el 18 de Abril y X-Men: Días del Futuro Pasado (X-Men: Days of Future Past) el 23 de Mayo. En Julio, dos secuelas con nuevos protagonistas pero que continúan una historia previamente presentada se proyectaran en las pantallas; Transformers: La Era de la Extinción (Transformers: Age of Extincion) y  El Planeta de los Simios: Confrontación (Dawn of the Planet of the Apes).

Las historias basadas en libros, otra fórmula ya probada en el cine, también se hacen presentes este año, en Enero con Jack Ryan: Código Sombra (Jack Ryan: Shadow Recruit), en Marzo con Divergente (Divergent) y en Junio con Bajo la Misma Estrella (The Fault in our Stars). Otra fórmula que aunque se ha probado, los resultados han sido diversos, es el reebot y en 2014, Robocop y Godzilla serán reinterpretados según la mirada de José Padilha y Gareth Edwards, respectivamente.

Ya rumbo a los últimos días del año, la Rana Kermit y sus compañeros se verán inmiscuidos en una intriga internacional en Los Muppets 2 (Muppets Most Wanted), mientras que el 21 de Noviembre se presentará la primera entrega de la última parte de Los Juegos del Hambre y así Katniss liderará la rebelión contra el capitolio en Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1 (The Hunger Games: Mockingjay Part 1). Para cerrar el año, Bilbo Bolsón se enfrentará a Smaug y la codicia en El Hobbit: Un Viaje de Ida y Vuelta (The Hobbit: There and Back Again), última cinta basada en el libro de J.R.R. Tolkien, a estrenar el 18 de Diciembre.

En otros estrenos, Tom Cruise será un viajero en el tiempo en Al Filo del Mañana (Edge of Tomorrow), La figuras LEGO lucharán contra una oscura amenaza en La Gran Aventura LEGO (The LEGO Movie), Angelina Jolie interpretará a la bruja más conocida del universo Disney en el live action Maléfica (Maleficent), Seth Rogen luchará por la tranquilidad de su nuevo hogar contra un desmadroso Zac Efron en Neighbors y Russell Crowe será el enviado a recolectar animales y personas en una barca para sobrevivir a un diluvio en Noé (Noah). Wes Anderson reune a un cast sobresaliente en la cinta de búsqueda, The Grand Budapest Hotel y Lars Von Trier, por su parte, cuenta la historia de una ninfómana en Nymphomaniac, dividida en dos partes.

El cine mexicano también tiene una amplia presencia este año, desde cintas ya presentadas en festivales como Club Sándwich de Fernando Eimbcke o Paraíso de Mariana Chenillo hasta musicales con canciones de Juan Gabriel en ¿Qué le dijiste a Dios?. Kate del Castillo se enfrentará a un espíritu que persigue a su familia en Visitantes, Bárbara Mori se enfrasca en otra vida en Alicia en el País de María y Andres Bustamante regresa al cine de la mano del director de Conozca la Cabeza de Juan Pérez y Pastorela, Emilio Portes en El Crímen del Cácaro Gumaro. Afortunadamente este 2014, también se proyectará Los Insólitos Peces Gato, la mejor película mexicana del año pasado.

 Este año definitivamente viene cargado e interesante en materia cinematográfica. ¿Qué películas van a ver?.

Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, los dejo con Atlas, parte del soundtrack de Los Juegos del Hambre: En Llamas que hace unas semanas fue nominada al Globo de Oro como Mejor Canción. El tema interpretado por Coldplay es uno de los 75 pre-seleccionados para competir por el Oscar en la categoría que premia a las mejores canciones compuestas especialmente para una película. De entre los seleccionados se destacan Ordinary Love de Mandela: Long Walk to Freedom, Young & Beautiful de El Gran Gatsby, Let it Go de Frozen, The Moon Song de Ella (Her), entre otras.

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Napolitano 75: The Black List 2013, buscando una idea.

por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

Lejos estamos de cuando los escritores dejaban sus trabajos abajo de la puerta de un productor o cosas por el estilo. La tecnología ha facilitado todo el trabajo dentro del cine y en eso de buscar guiones, no es la excepción.

Desde el 2005, el productor Franklin Leonad, recopila los guiones que han llegado a las oficinas y gerencias y los somete a votación entre 250 productores, agentes y estudios; el resultado The Black List, un sitio donde se catapultan los trabajos escritos que podrían llegar a materializar su proyecto.

Dentro de las películas que The Black List ha incluido en su conteo, destacan las ganadoras del Oscar, Quisiera ser Millonario (Slumdog Millionaire) de Simon Beafoy, El Discurso del Rey (The King's Speech) de David Seidler y Argo de Chris Terrio, hasta ideas originales como Juno: Crecer, Correr y Tropezar (Juno) de Diablo Cody, 500 Días con Ella (500 Days of Summer) de Scott Neudstadter & Michael H. Weber, Supercool (Superbad) de Seth Rogen & Evan Goldberg y las últimas dos películas de Quentin Tarantino; Bastardos sin Gloria (Inglorious Basterds) y Django sin Cadenas (Django Unchained).

Algunos blockbusters como Los Juegos del Hambre (The Hunger Games) de Billy Ray, Guerra Mundial Z (World War Z) de Michael Straczynski y Oz: El Poderoso (Oz: The Great and Powerful) de Michael Kapner también fueron incluidos en el conteo.

Este año, 53 guiones fueron votados y nombrados por la lista, la evaluación, provista del número de menciones entre sus miembros donde el mínimo para ser incluido era 6 menciones. Entre mujeres celosas, secretos de gobierno, monstruos y la creación del servicio secreto británico, estos son los 10 guiones más votados de este año.

Holland, Michigan
Escrito por Andrew Sodroski | 46 Votos
Una Mujer de mediana edad comienza a sospechar sobre una infidelidad de su esposo. La respuesta podría ser encontrada después de que la desesperada mujer comienza una investigación amateur para llegar a la realidad. En su primer largometraje, Sodroski lidera el conteo. Holland, Michigan, ya se encuentra en pre producción, con Naomi Watts en el papel principal y Errol Morris (The Fog of War, 2003), como director.

Section 6
Escrito por Aaron Berg | 44 Votos
Creación del Servicio Secreto de Inteligencia británico, el MI6. La ópera prima de Berg ya cuenta con el apoyo financiero de Universal Pictures y se encuentra en busqueda de producción.

Frisco
Escrito por Simon Stephenson | 39 Votos
Un alergólogo atraviesa un difícil divorcio y puede encontrar a una amiga cuando en un viaje a San Francisco, se encuentra con una chica de quince años en fase terminal. Stephenson, escritor de series de television británicas, entra al cine con Frisco, proyecto en busca de financiamiento y producción.

A Monster Calls
Escrito por Patrick Ness | 27 Votos
Un adolescente comienza a tener visiones de un monstruo en forma de árbol que le enseñará verdades sobre la vida a través de tres historias. Todo esto, mientras su madre soltera, muere de una enfermedad terminal. A Monster Calls es el primer guión de Ness.

The Special Program
Escrito por Debora Cahn | 25 Votos
Un secreto de estado llevado a la pantalla grande encuentra apoyo de The Weinstein Company cuando la escritora Debora Cahn, creadora de algunos capítulos de Grey's Anathomy y The West Wing, cuenta la historia de Jack Goldsmith, un joven abogado que descrubre de la oficina del Vice Presidente, Dick Cheney una serie de actividades ilegales supervizadas en algo llamado "Programa Especial".

Hot Summer Nights
Escrito por Elijah Bynum | 24 Votos
La vida de un adolescente que se sale de control cuando un verano en Cape Cod se hace amigo de un grupo de vendedores de medicamentos, es retratada en Hot Summer Nights, primer trabajo de Elijah Bynum como guionista.

Sovereign
Escrito por Geoff Tock & Greg Weidman | 24 Votos
Un hombre busca en el espacio a una nave que mató a su esposa. Escritor de un par de capítulos de NCIS: Los Ángeles, Greg Weidman se une con el actor Geoffrey Tock para contar una bizarra historia de ciencia ficción en Sovereign.

Shovel Buddies
Escrito por Jason Mark Hellerman | 22 Votos
En sólo 24 horas, un grupo de 4 adolescentes trata de completar la "Shovel List", una lista de deseos por cumplir para uno de sus mejores amigos enfermo de Leucemia. Una mezcla entre Cuenta Conmigo y Antes de Partir caracteriza a Shovel Buddies, el primer trabajo cinematográfico de Jason Mark Hellerman.

Pox Americana
Escrita por Frank John Hughes | 20 Votos
Una enfermedad devastadora ataca a un grupo de soldados enviados a un pueblo en el lejando oeste para asesinar a una tribu pacífica, en represalia por el ataque de otra tribu. Producida por Code Entertainment, Pox Americana es el tercer guión de Frank John Hughes.

Reminiscence
Escrita por Lisa Joy Nolan | 20 Votos
Un arqueólogo puede regresar al pasado gracias a su tecnología, sin embargo abusa de ella y todos aquellos que lo buscan para aliviar antiguas penas, con tal de encontrar al perdido amor de su vida. Legendary Entertainment ya apoya el guión de Lisa Joy Nolan.

Dentro de los restantes guiones se encuentran biopics a Lewis Carroll (Queen of Hearts, escrito por Stephanie Shannon), Stanley Kubrick (1969: A Space Odyssey or How Kubrick learned to stop worrying and land on the Moon, escrito por Stephany Folsom) y dos proyectos sobre rodaje de Tiburon de Steven Spielberg (The Mayor of Shark City, escrito por Nick Creature & Michael Sweeney y The Shark is not Working, escrito por Richard Cordiner).

Hasta aquí el Napolitano de esta ocasión, los dejo con Cinefile 2013, un video recopilatorio de todos los estrenos que se proyectaron en cines en los Estados Unidos. Les recuerdo que pueden seguir a este blog en @CinePlanetaBlog en Twitter y en Facebook como Cine Planeta. Envíenme sus comentarios, dudas y sugerencias a luisandresolastoro@gmail.com y siganme en Twitter como @AndresOlasToro. Aprovechando el fin de año, en mi blog pueden encontrar lo que a mi parecer fueron las 20 mejores y las 15 peores películas del año, además de reseñas El Hobbit, La Increíble Vida de Walter Mitty, Frozen: Una Aventura Congelada y más. ¡Feliz Año Nuevo y que tengan 365 días llenos de Cine!.